 |
| Olafur Eliasson, Your Rainbow Panorama, 2011. Ευγενική παραχώρηση ARoS. |
Η χρήση του φωτός ως μέσου στην παραγωγή τέχνης έχει μακρά και ποικίλη ιστορία. Συνήθως, στα έργα Light Art, το φως είναι το κύριο μέσο έκφρασης - μια μορφή τέχνης στην οποία είτε ένα γλυπτό κάποιας μορφής παράγει φως, είτε όπου δημιουργείται ένα είδος ασώματης γλυπτικής παρουσίας μέσω της χειραγώγησης του φωτός, των χρωμάτων και των σκιών. Αυτού του είδους οι βιωματικές εγκαταστάσεις μπορεί να είναι προσωρινές ή μόνιμες και μπορούν να υπάρχουν σε δύο διακριτούς χώρους: σε εσωτερικούς χώρους, όπως εκθέματα γκαλερί ή μουσείων, ή σε εξωτερικούς χώρους σε εκδηλώσεις όπως φεστιβάλ. Η Light Art μπορεί επίσης να είναι μια αλληλεπίδραση του φωτός μέσα σε έναν συγκεκριμένο αρχιτεκτονικό χώρο και μπορεί να προσαρμοστεί ώστε να αλληλεπιδρά με την ίδια την αρχιτεκτονική. Επιλέξαμε μια επιλογή από κορυφαίους σύγχρονους καλλιτέχνες —αυτούς που αφιερώνουν την πλειονότητα ή το σύνολο των δημιουργικών πειραματισμών τους στο φως— προκειμένου να ανιχνεύσουμε μια σειρά από ορόσημα μέσα από αυτό το ξεχωριστό μέσο.
 | ||
| Dan Flavin, Diagonal of Personal Ecstasy, | Κίτρινος σωλήνας νέον τοποθετημένος σε γωνία 45 μοιρών. |
1. Dan Flavin
Ο Flavin ήταν ένας Αμερικανός μινιμαλιστής καλλιτέχνης διάσημος για τη δημιουργία γλυπτικών αντικειμένων και εγκαταστάσεων από εμπορικά διαθέσιμα φωτιστικά φθορισμού. Το καλοκαίρι του 1961, ενώ εργαζόταν ως φύλακας στο Αμερικανικό Μουσείο Φυσικής Ιστορίας στη Νέα Υόρκη, ο Flavin άρχισε να φτιάχνει σκίτσα για τα πρώτα γλυπτά που ενσωματώνουν ηλεκτρικά φώτα, τη σειρά του «Icons», που αποτελούνταν από οκτώ χρωματιστές, τετράγωνες σαν κουτί. κατασκευές από διάφορα υλικά όπως ξύλο, φορμάικα ή μασονίτης και με λαμπτήρες πυρακτώσεως και φθορισμού προσαρτημένες στα πλαϊνά τους. Το The Diagonal of Personal Ecstasy (η Διαγώνιος της 25ης Μαΐου 1963), ένας κίτρινος σωλήνας φθορισμού τοποθετημένος σε έναν τοίχο σε γωνία 45 μοιρών από το πάτωμα ολοκληρώθηκε το 1963, ήταν το πρώτο ώριμο έργο του Flavin. Στη συνέχεια, το έργο του αποτελούνταν από διάφορες διαμορφώσεις μεμονωμένων ή πολλαπλών σωλήνων, που εκτελούνταν σε μια παλέτα αποχρώσεων, όπως κόκκινο, μπλε, πράσινο, ροζ, κίτρινο, υπεριώδες και τέσσερα διαφορετικά λευκά. Στις δεκαετίες που ακολούθησαν, συνέχισε να χρησιμοποιεί φθορίζουσες δομές για να εξερευνήσει το χρώμα, το φως και τον γλυπτικό χώρο, σε έργα που γέμισαν τους εσωτερικούς χώρους των γκαλερί. Μέχρι το 1968, ο Flavin είχε αναπτύξει τα γλυπτά του σε περιβάλλοντα φωτός μεγέθους δωματίου και το 1992, η αρχική σύλληψη του Flavin για ένα κομμάτι του 1971 υλοποιήθηκε πλήρως σε μια συγκεκριμένη τοποθεσία που γέμισε ολόκληρη τη ροτόντα του Μουσείου Solomon R. Guggenheim με την ευκαιρία επαναλειτουργία του μουσείου.
 |
| Robert Irwin, Εγκατάσταση, Chinati Foundation. |
2. Robert Irwin
Ο Irwin είναι ένας Αμερικανός καλλιτέχνης που εξερευνά την αντίληψη, τις περισσότερες φορές μέσω αρχιτεκτονικών παρεμβάσεων που αλλάζουν τη φυσική, αισθητηριακή και χρονική εμπειρία του χώρου. Ξεκίνησε την καριέρα του ως ζωγράφος τη δεκαετία του 1950, αλλά στη δεκαετία του 1960 μεταπήδησε στις εγκαταστάσεις, και έγινε πρωτοπόρος του οποίου η δουλειά βοήθησε στον καθορισμό της αισθητικής και των εννοιολογικών ζητημάτων του κινήματος West Coast Light and Space, μιας χαλαρά ομαδοποιημένης συλλογής καλλιτεχνών των οποίων το έργο χαρακτηρίζεται από την εστίαση σε αντιληπτικά φαινόμενα, ιδιαίτερα το φως, τον όγκο και την κλίμακα, και τη χρήση (συχνά τεχνολογικά νέων ή προηγμένων) υλικών, όπως γυαλί, νέον, φώτα φθορισμού, ρητίνη και χυτό ακρυλικό. Είτε κατευθύνοντας τη ροή του φυσικού φωτός, ενσωματώνοντας τεχνητό φως μέσα σε αντικείμενα ή αρχιτεκτονική, είτε παίζοντας με το φως μέσω της χρήσης διαφανών, ημιδιαφανών ή ανακλαστικών υλικών, οι καλλιτέχνες του Light and Space έκαναν την εμπειρία του θεατή του φωτός και άλλων αισθητηριακών φαινομένων κάτω από ειδικά ελεγχόμενες καθορίζει το επίκεντρο της εργασίας τους. Από τα τέλη της δεκαετίας του 1960 ο ίδιος ο Irwin έχει επικεντρωθεί στη χωροθέτηση του έργου του (σε αντίθεση με την πρακτική στο στούντιο) δημιουργώντας εγκαταστάσεις σε δωμάτια, κήπους, πάρκα, μουσεία και διάφορες αστικές τοποθεσίες, αποφασισμένος να ωθήσει τα όρια της τέχνης και της αντίληψης - ο στόχος είναι μια εμπειρία που δημιουργείται χειραγωγώντας το περιβάλλον αντί να παραμένει στα όρια ενός μεμονωμένου έργου τέχνης.
 |
| James Turrell, εσωτερικό κρατήρα Roden |
3. James Turrell
Ο Turrell είναι ένας Αμερικανός καλλιτέχνης, που συνδέεται επίσης με το κίνημα καλλιτεχνών West Coast Light and Space. Το 1965 έλαβε πτυχίο BA στην αντιληπτική ψυχολογία και επίσης σπούδασε μαθηματικά, γεωλογία και αστρονομία, μετά τα οποία εγγράφηκε στο μεταπτυχιακό πρόγραμμα Studio Art στο Πανεπιστήμιο της Καλιφόρνια, Irvine. Το 1966, ενώ βρισκόταν εκεί, άρχισε να πειραματίζεται με το φως στο στούντιο του στη Σάντα Μόνικα καλύπτοντας τα παράθυρα και επιτρέποντας μόνο σε καθορισμένες ποσότητες φωτός από το δρόμο έξω να περνάει μέσα από τα ανοίγματα. Με αυτόν τον τρόπο δημιούργησε τις πρώτες του προβολές φωτός. Στο Shallow Space Constructions (1968) χρησιμοποίησε θωρακισμένα χωρίσματα, επιτρέποντας σε μια ακτινοβόλο διάχυση κρυμμένου φωτός να δημιουργήσει ένα τεχνητά πεπλατυσμένο αποτέλεσμα εντός του δεδομένου χώρου. Την ίδια χρονιά, συμμετείχε στο Πρόγραμμα Τέχνης και Τεχνολογίας του Μουσείου της Κομητείας του Λος Άντζελες, ερευνώντας αντιληπτικά φαινόμενα σε συνδυασμό με τον καλλιτέχνη Robert Irwin και τον ψυχολόγο Edward Wortz. Από το 1969 έως το 1974 Οι Mendota Stoppages αναπτύχθηκαν από τον Turrell και θεωρούνται μια κομβική εξέλιξη του έργου του. Χρησιμοποίησε αρκετά δωμάτια στο πρώην ξενοδοχείο Mendota στη Σάντα Μόνικα τα οποία ήταν σφραγισμένα, με τα ανοίγματα των παραθύρων να ελέγχονται από τον καλλιτέχνη για να επιτρέπουν στο φυσικό και τεχνητό φως να εισέρχεται στους σκοτεινούς χώρους με συγκεκριμένους τρόπους. Ο Turrell είναι ίσως περισσότερο γνωστός για το μνημειώδες έργο του σε εξέλιξη, Roden Crater. Απέκτησε ένα εξαφανισμένο ηφαίστειο με κώνους στάχτης που βρίσκεται έξω από το Flagstaff της Αριζόνα, το 1979. Από τότε έχει περάσει δεκαετίες μετακινώντας χιλιάδες τόνους βρωμιάς και χτίζοντας σήραγγες και ανοίγματα για να μετατρέψει αυτόν τον κρατήρα σε ένα τεράστιο παρατηρητήριο για να βιώνει διάφορα ουράνια φαινόμενα.
 |
| Άποψη εγκατάστασης, «Mary Corse: A Survey in Light», Μουσείο Αμερικανικής Τέχνης Whitney. Ευγενική παραχώρηση του Whitney Museum of American Art. Φωτογραφία από τον Ron Amstutz. |
4. Mary Corse
Η Corse είναι μια Αμερικανίδα καλλιτέχνιδα της οποίας το έργο επικεντρώνεται στα αντιληπτικά φαινόμενα και στην ιδέα ότι το ίδιο το φως μπορεί να χρησιμεύσει ως θέμα και ως υλικό στην τέχνη. Η πρακτική της μπορεί να θεωρηθεί ότι υπάρχει σε ένα σταυροδρόμι μεταξύ του αφηρημένου εξπρεσιονισμού και του αμερικανικού μινιμαλισμού. Συχνά έχει συνδεθεί με το ανδροκρατούμενο κίνημα West Coast Light and Space της δεκαετίας του 1960, αν και δεν συμμετείχε ενεργά ή ασχολήθηκε με αυτούς τους καλλιτέχνες κατά την έναρξη της εποχής τους και ο ρόλος της στην ανάπτυξη θεμάτων που σχετίζονται με αυτήν την αισθητική έχει αναγνωριστεί πλήρως μόνο τα τελευταία χρόνια. Στα μέσα της δεκαετίας του 1960, ο Corse ανέπτυξε ενδιαφέρον για τους λευκούς μονόχρωμους πίνακες, έλκοντας προς ένα ελεγχόμενο, γεωμετρικό στυλ μινιμαλισμού. Ταυτόχρονα, έκανε διαμορφωμένους πίνακες σε καμβά καθώς και τρισδιάστατα έργα, για τα οποία συναρμολόγησε κολώνες από κόντρα πλακέ και ένωση αρμών που στη συνέχεια βάφτηκαν με λευκό ακρυλικό χρώμα και τρίφτηκαν για να αφαιρέσουν κάθε ίχνος από το πινέλο της. Το 1966, η Corse ξεκίνησε μια σειρά έργων που περιείχαν λαμπτήρες φθορισμού σε κουτιά Plexiglas και το 1968, άρχισε να ενδιαφέρεται να απομακρυνθεί από τον τοίχο χωρίς καλώδια, απαιτώντας τη χρήση ενός πηνίου Tesla, το οποίο υποστηρίζει ασύρματη ηλεκτρική ενέργεια. Η Corse ολοκλήρωσε μαθήματα κβαντικής φυσικής στο Πανεπιστήμιο της Νότιας Καλιφόρνια προκειμένου να λάβει πιστοποίηση για να χειρίζεται μεγάλα πηνία Tesla για όλο και πιο φιλόδοξες εργασίες αυτού του τύπου. Σήμερα, είναι περισσότερο γνωστή για τους πειραματισμούς της με λαμπερές επιφάνειες σε συνδυασμό με τη μινιμαλιστική ζωγραφική της αισθητική, ενσωματώνοντας υλικά που διαθλούν και αντανακλούν το φως με συγκεκριμένους τρόπους, ειδικά γυάλινες μικροσφαίρες, τις μικροσκοπικές ανακλαστικές χάντρες που χρησιμοποιούνται συνήθως για να φωτίζουν τις γραμμές των αυτοκινητοδρόμων.
 |
| Εγκατάσταση Keith Sonnier, Μουσείο Τέχνης Parris, Southampton, NY. |
5. Keith Sonnier
Ο Sonnier είναι ένας καλλιτέχνης του οποίου η δουλειά αναπτύχθηκε παράλληλα με τη μινιμαλιστική γενιά της δεκαετίας του 1960. Περιλαμβάνοντας μεταμινιμαλισμό, περφόρμανς, βίντεο και Light Art, ο Sonnier ήταν ένας από τους πρώτους καλλιτέχνες που χρησιμοποίησε το φως στη γλυπτική τη δεκαετία του 1960, και υπήρξε ένας από τους πιο επιτυχημένους και ανθεκτικούς με αυτήν την τεχνική. Ο Sonnier ήταν επίσης μέρος του Process Art Movement, όπου το τελικό προϊόν της τέχνης και της χειροτεχνίας - το ίδιο το έργο - δεν είναι πάντα η κύρια εστίαση. Η «διαδικασία» στην τέχνη της διαδικασίας αναφέρεται στα διάφορα στάδια που οδηγούν στη διαμόρφωση της τέχνης: τη συγκέντρωση, τη συγκρότηση και τη διευθέτηση ενεργειών και διαδικασιών των συστατικών στοιχείων ενός έργου τέχνης. Η τέχνη της διαδικασίας ασχολείται με την πραγματική πράξη και πώς αυτές οι ενέργειες, όπως εκτελούνται από έναν καλλιτέχνη, μπορούν να οριστούν ως έργο τέχνης μέσα από τις προθέσεις τους. Στα μέσα της δεκαετίας του 1960, ο Sonnier έγινε γνωστός για τη ριζική επανεφεύρεση της γλυπτικής μέσω της καινοτόμου χρήσης υλικών - χρησιμοποιήθηκαν μέσα τόσο ποικίλα όπως λάτεξ, σατέν, μπαμπού, δορυφορικοί πομποί και βίντεο. Το 1968, ο καλλιτέχνης άρχισε να εργάζεται με νέον, το οποίο γρήγορα έγινε καθοριστικό στοιχείο της δουλειάς του. Η γραμμική ποιότητα του νέον επέτρεψε στον Sonnier να σχεδιάζει στο χώρο με το φως και το χρώμα, προσθέτοντας ένα παραστατικό και λυρικό στοιχείο στη χαρακτηριστική χρήση του φωτός, ενώ η διάχυση του φωτός επιτρέπει στο έργο του να αλληλοεπιδρά σε διάφορα αρχιτεκτονικά επίπεδα σε συνδυασμό με το φυσικό περιβάλλον. .
 | |||
| Anthony McCall, Between You and I | Between You and I, (2006). | Peer/The Round Chapel, Λονδίνο. |
6. Anthony McCall
Ο McCall είναι ένας Βρετανός καλλιτέχνης, με έδρα τη Νέα Υόρκη, γνωστός για τις εγκαταστάσεις του "solid light", μια σειρά που ξεκίνησε το 1973 με το "Line Describing a Cone", στο οποίο μια ογκομετρική μορφή που αποτελείται από προβαλλόμενο φως εξελίσσεται αργά σε τρισδιάστατο χώρο. Ιδιαίτερα δραματικά στην εκτέλεση και το ξεδίπλωμά τους, τα έργα του McCall καταλαμβάνουν έναν μοναδικό χώρο που καλύπτει τον κινηματογράφο, τη γλυπτική και το σχέδιο. Ο McCall ήταν ένα βασικό πρόσωπο στον πρωτοποριακό Συνεταιρισμό Κινηματογράφου του Λονδίνου τη δεκαετία του 1970. Οι πρώτες του ταινίες είναι ντοκουμέντα υπαίθριων παραστάσεων που ξεχωρίζουν για την ελάχιστη χρήση των στοιχείων, κυρίως της φωτιάς. Αφού μετακόμισε στη Νέα Υόρκη το 1973, ο McCall συνέχισε τις ερμηνείες του με φωτιά και ανέπτυξε τη σειρά του "solid light", ξεκινώντας με την προαναφερθείσα γραμμή που περιγράφει έναν κώνο, το 1973. Η σειρά "solid light" βασίζεται σε μεγάλο βαθμό σε απλά, κινούμενα σχέδια γραμμής στοιχειωδών γεωμετρικών ή γραμμικών μορφών. Το φως προβάλλεται με αυτές τις μορφές και τονίζει εντυπωσιακά τις γλυπτικές ιδιότητες της ίδιας της δέσμης. Αυτό το εφέ ενισχύεται ή τονίζεται λαμβάνοντας χώρα σε σκοτεινά, γεμάτα ομίχλη δωμάτια, όπου οι προβολές μπορούν να δημιουργήσουν άκρως απατηλά τρισδιάστατα σχήματα, ελλείψεις, κύματα και επίπεδα επίπεδα που σταδιακά διαστέλλονται, συστέλλονται ή σαρώνουν το διάστημα. Σε αυτά τα έργα, ο καλλιτέχνης προσπάθησε να αποδομήσει τον κινηματογράφο μειώνοντας το φιλμ στα βασικά του στοιχεία του χρόνου και του φωτός και αντικαθιστώντας την οθόνη ως την προδιαγεγραμμένη επιφάνεια προβολής με το ίδιο το τρισδιάστατο περιβάλλον. Τα έργα μετατοπίζουν επίσης τη σχέση του κοινού με την ταινία, καθώς οι θεατές μετατρέπονται σε συμμετέχοντες, με τα σώματά τους να τέμνονται και να τροποποιούν τις παροδικές μορφές καθώς το φως περνά πάνω και γύρω τους.
 |
| Leo Villareal, Star Ceiling, 2019, Pace Gallery. |
7. Leo Villareal
Ο Villareal είναι ένας Αμερικανός καλλιτέχνης του οποίου το έργο συνδυάζει φώτα LED, συχνά σε τεράστιες ποσότητες, με κωδικοποιημένο προγραμματισμό υπολογιστή για τη δημιουργία φωτιζόμενων οθονών. Η εργασία βασίζεται στην απογύμνωση των συστημάτων στην ουσία τους, συχνά με αναγωγικό τρόπο για να επικεντρωθεί στους χαμηλότερους κοινούς παρονομαστές, όπως τα εικονοστοιχεία ή τα μηδενικά και τα μονά στον δυαδικό κώδικα. Καθώς ο Villareal κατασκευάζει και στρώνει τη διάταξη των LED, τα προγραμματίζει να κινούνται, να αλλάζουν, να αλληλεπιδρούν και τελικά να μεγαλώνουν σε πολύπλοκους οργανισμούς που είναι εμπνευσμένοι από το έργο του μαθηματικού John Conway με τα κυτταρικά αυτόματα και το Παιχνίδι της Ζωής. Έτσι το έργο του διερευνά όχι μόνο το φυσικό αλλά προσθέτει τη διάσταση του χρόνου συνδυάζοντας τόσο τη χωρική όσο και τη χρονική ανάλυση. Κεντρικό στοιχείο στη δουλειά του είναι το στοιχείο της τύχης. Στόχος του καλλιτέχνη είναι να δημιουργήσει ένα πλούσιο περιβάλλον στο οποίο μπορεί να εμφανιστεί αναδυόμενη συμπεριφορά χωρίς προκαθορισμένο αποτέλεσμα. Συμμετέχει ενεργά στη διαδικασία μέσω της προσεκτικής επιλογής συναρπαστικών σεκάνς. Αυτές οι επιλογές στη συνέχεια βελτιώνονται περαιτέρω και στρώνονται μέσω απλών πράξεων όπως η πρόσθεση, η αφαίρεση και ο πολλαπλασιασμός. Παράμετροι όπως η αδιαφάνεια, η ταχύτητα και η κλίμακα χειρίζονται επίσης μέσω του προσαρμοσμένου λογισμικού του καλλιτέχνη, δημιουργώντας συνθέσεις που εμφανίζονται με τυχαία σειρά και για τυχαίο χρονικό διάστημα. Τελικά, η οπτική εκδήλωση του κώδικα στο φως βρίσκεται στον πυρήνα του ενδιαφέροντος του Villareal.
 |
| Olafur Eliasson, Your Rainbow Panorama, 2011. Ευγενική παραχώρηση ARoS. |
8. Olafur Eliason
Ο Eliasson είναι ένας Δανός-Ισλανδός καλλιτέχνης γνωστός για τα γλυπτά και την τέχνη εγκατάστασης μεγάλης κλίμακας που χρησιμοποιεί τα στοιχεία ως υλικά, όπως το φως, το νερό και τη θερμοκρασία του αέρα, προκειμένου να διαμορφώσει την εμπειρία και τις φαινομενολογικές αντιδράσεις του θεατή, συχνά στον φυσικό κόσμο. Το 1995 ίδρυσε το Studio Olafur Eliasson στο Βερολίνο, ένα εργαστήριο χωρικής έρευνας. Έχει εκπροσωπήσει τη Δανία στην 50η Μπιενάλε της Βενετίας το 2003 και αργότερα την ίδια χρονιά εγκατέστησε το The Weather Project στο Turbine Hall της Tate Modern, στο Λονδίνο. Η πρακτική του ήταν ποικίλη, καλύπτοντας μια διεπιστημονική προσέγγιση στη δημιουργία τέχνης, συχνά ενσωματώνοντας τη συνεργασία με επιστημονικούς ή τεχνικούς εμπειρογνώμονες σε διάφορους τομείς, προκειμένου να προσθέσει συγκεκριμένη τεχνογνωσία ή εμπειρική ακρίβεια στη δουλειά του. Οι φωτιστικές εγκαταστάσεις του περιλαμβάνουν το Room For One Color (1998), έναν διάδρομο που φωτίζεται από κίτρινους σωλήνες μονοσυχνότητας, όπου οι συμμετέχοντες βρίσκονται σε ένα δωμάτιο γεμάτο φως που παραμορφώνει την αντίληψη όλων των άλλων χρωμάτων. Μια άλλη εγκατάσταση, το δωμάτιο 360 μοιρών για όλα τα χρώματα (2002), είναι ένα στρογγυλό γλυπτό φωτός όπου οι συμμετέχοντες χάνουν την αίσθηση του χώρου και της προοπτικής τους και βιώνουν να κατακλύζονται από ένα έντονο φως. Το έργο Your Rainbow Panorama αποτελείται από έναν κυκλικό διάδρομο μήκους 150 μέτρων και πλάτους 3 μέτρων από γυαλί σε κάθε χρώμα του φάσματος. Έχει διάμετρο 52 μέτρα και είναι τοποθετημένο σε κολώνες ύψους 3,5 μέτρων στην κορυφή της οροφής του ARoS Aarhus Kunstmuseum στο Aarhus. Οι επισκέπτες μπορούν να περπατήσουν μέσα από το διάδρομο και να έχουν πανοραμική θέα στην πόλη. Το βράδυ το έργο τέχνης φωτίζεται από μέσα από προβολείς στο πάτωμα.
 |
| Ivan Navarro, Ladder (υδάτινος πύργος), 2014 |
9. Ivan Navarro
Ο Navarro είναι ένας Χιλιανός καλλιτέχνης, γεννημένος κατά τη διάρκεια της δικτατορίας Πινοσέτ, η πολιτική και η κυβέρνηση της οποίας είχαν βαθύ αντίκτυπο στο έργο του, τόσο στην επιλογή των μέσων ενημέρωσης όσο και στο νόημα και τη διαδικασία σκέψης που εφαρμόστηκε στα έργα του. Η εμπειρία του μεγαλώνοντας κάτω από τον καταπιεστικό στρατιωτικό νόμο του καθεστώτος Πινοσέτ έχει διαμορφώσει άρρηκτα την καλλιτεχνική του πρακτική. Τα πρώτα εννοιολογικά έργα του αντικατοπτρίζουν το συλλογικό ψυχολογικό τραύμα της πατρίδας του, συνδυάζοντας κοσμικά και εγχώρια σύμβολα με την εικαστική γλώσσα της εξουσίας. Κατά τη διάρκεια της παιδικής του ηλικίας, ο Navarro είχε συνηθίσει να κλείνει το ηλεκτρικό ρεύμα για να κρατά τους πολίτες στο σπίτι και να απομονώνονται. «Όλα τα κομμάτια που έχω κάνει αναφέρονται στον έλεγχο της δραστηριότητας και ο ηλεκτρισμός ήταν ένας τρόπος για να ελέγχεις τους ανθρώπους». Ο Navarro δουλεύει εκτενώς με καθρέφτες φωτός και άπειρου, στους οποίους οι θεατές χάνονται σε έναν φαινομενικά άπειρο χώρο, καθώς φαίνονται φράσεις νέον ή δομές και προτείνουν τι βρίσκεται πέρα από αυτό. Αυτά τα έργα που μοιάζουν με άβυσσο έχουν προταθεί ότι συνδέονται πίσω με τον φόβο του Navarro να τον απαγάγουν όταν ήταν παιδί. Η επαναλαμβανόμενη χρήση ηλεκτρικής ενέργειας στα έργα του παραπέμπει στα βασανιστήρια και τις παραβιάσεις των ανθρωπίνων δικαιωμάτων που επιβλήθηκαν στον πληθυσμό της Χιλής κατά της δικτατορίας του Πινοσέτ. Παρόμοια θέματα εφαρμόζονται σε παγκόσμιο πλαίσιο επισκεπτόμενοι ιδέες όπως η θανατική ποινή, η μετανάστευση και η προπαγάνδα ως βασικά σημεία. Πιο γνωστό για αυτά τα κοινωνικοπολιτικά φορτισμένα γλυπτά από νέον, φθορίζον και πυρακτωμένο φως, τα έργα του Navarro ενεργοποιούν τόσο την αισθητηριακή όσο και την ψυχολογική εμπειρία στον θεατή του.
 |
| teamLab, The Infinite Crystal Universe, 2015-18 |
10. teamLab
Το teamLab, που ιδρύθηκε το 2001 στην Ιαπωνία, είναι μια συλλογικότητα καλλιτεχνών, προγραμματιστών, μηχανικών, εμψυχωτών, αρχιτεκτόνων και μαθηματικών που επιδιώκουν να εξερευνήσουν, μέσω διαδραστικών γλυπτών φωτός, πώς η τέχνη, η επιστήμη, η τεχνολογία και το σχέδιο ταιριάζουν με τον φυσικό κόσμο. Έγιναν δεκτοί από ένα μείγμα σκεπτικισμού και απόρριψης από την κοινότητα των καλών τεχνών και της σύγχρονης τέχνης, που αντιλήφθηκαν τις προσπάθειές τους ως περισσότερο όμοιες με την ψυχαγωγία που βασίζεται στην τεχνολογία. Ωστόσο, η δουλειά τους έχει γνωρίσει εξαιρετικό ενθουσιασμό από το ευρύ κοινό. Το μόνιμο μουσείο που ονομάζεται teamLab Borderless και μια προσωρινή εμπειρία, teamLab Planets, άνοιξε το περασμένο καλοκαίρι στις συνοικίες Odaiba και Toyosu του Τόκιο. Η γενική είσοδος σε κάθε χώρο είναι $30, καθιστώντας την καλλιτεχνική εμπειρία ψυχαγωγία με εισιτήρια. Οι επισκέπτες του μουσείου teamLab Borderless αλληλοεπιδρούν με φωτεινά γλυπτά που μετακινούνται συνεχώς, τα οποία κινούνται στον χώρο, προσφέροντας στους επισκέπτες την εμπειρία ενός «μουσείου χωρίς χάρτη». Πρόσφατα, υποστηρίχθηκε ότι το Μουσείο του Τόκιο του teamLab έχει γίνει ο πιο δημοφιλής μουσειακός προορισμός ενός καλλιτέχνη στον κόσμο, ξεπερνώντας το Μουσείο Βαν Γκογκ στο Άμστερνταμ σε αριθμούς επισκεπτών και φέρεται να διπλασιάσει τους αριθμούς που δημοσιεύτηκαν από τα τρία μουσεία του Νταλί στην Ισπανία μαζί. Κατά τον πρώτο χρόνο λειτουργίας του, το teamLab Borderless στο Τόκιο προσέλκυσε 2,3 εκατομμύρια επισκέπτες, μια εκπληκτική επιτυχία στο box office που ενισχύθηκε από επιπλέον 1,2 εκατομμύρια επισκέπτες που απόλαυσαν την προσωρινή εμβυθιστική εμπειρία του συλλογικού φωτός στην πρωτεύουσα της Ιαπωνίας. Ενώ η Ιαπωνία είναι από καιρό γνωστό ότι διοργανώνει σόου τύπου blockbuster, τα στατιστικά στοιχεία προσέλευσης καταδεικνύουν την ελκυστικότητα των καθηλωτικών εμπειριών, ειδικά μεταξύ των millennials και των μελών του Gen Z. Σύμφωνα με την ομάδα, επισκέπτες ήρθαν από περισσότερες από 160 χώρες για να γνωρίσουν τις εγκαταστάσεις του Τόκιο, με σχεδόν το ένα τρίτο να προέρχεται από τις Ηνωμένες Πολιτείες.