 Shirin Neshat, άποψη εγκατάστασης Γυναίκα. ΖΩΗ. Ελευθερία. στο Piccadilly Lights, Λονδίνο, 2022. © Shirin Neshat. © CIRCA. Φωτογραφία από το Clover Green Studio. Αυτή η χρονιά που πέρασε είδε καλλιτέχνες από όλο τον κόσμο να ανταποκρίνονται στη γεωπολιτική πραγματικότητα των πολυτάραχων καιρών μας μέσω της δημόσιας τέχνης. Από βιωματικά έργα πολλαπλών τοποθεσιών έως παρεμβάσεις βασισμένες σε περφόρμανς, αυτά τα έργα όχι μόνο αμφισβητούν τις προσδοκίες για το πώς μπορεί να μοιάζει η δημόσια τέχνη, αλλά αντανακλούν και αντιμετωπίζουν την κληρονομιά των ιστορικών αδικιών. Hew Locke, Foreign Exchange Victoria Square, Μπέρμιγχαμ, Αγγλία  Hew Locke, άποψη εγκατάστασης του Foreign Exchange στην πλατεία Victoria στο Μπέρμιγχαμ, Αγγλία, 2022. Παρουσιάστηκε από το Φεστιβάλ Birmingham 2022 και ανατέθηκε από την Ikon. Φωτογραφία από τον Shaun Fellows. Συμπίπτοντας με τη διοργάνωση των Αγώνων της Κοινοπολιτείας το 2022 στο Μπέρμιγχαμ, ένα απομεινάρι της Βρετανικής Αυτοκρατορίας, ο Βρετανός καλλιτέχνης από τη Γουιάνα Hew Locke μεταμόρφωσε το άγαλμα της Βασίλισσας Βικτώριας του 1901 σε μια φιγούρα που τοποθετήθηκε σε μια βάρκα ανάμεσα σε πολλά αντίγραφα του ίδιου αγάλματος. Το έργο, που ονομάζεται Foreign Exchange, θυμίζει πώς το άγαλμα της βασίλισσας και η αυτοκρατορία που αντιπροσώπευε, μεταφέρθηκαν σε όλο τον κόσμο. Καθώς ορθώς επανεξετάζουμε, και σε ορισμένες περιπτώσεις καταρρίπτουμε, μνημεία που εξευγενίζουν προβληματικές φιγούρες και κληρονομιές, ο Locke αναγνωρίζει τα «μπερδεμένα και περίπλοκα» συναισθήματά του, προσθέτοντας μια απόχρωση στη συζήτηση ενώ εξακολουθεί να την αντιμετωπίζει κατά μέτωπο. --Aric Chen Fujiko Nakaya, Munich Fog (Fogfall)#10865/II Μόναχο, Γερμανία  Fujiko Nakaya, άποψη εγκατάστασης του Munich Fog (Fogfall) #10865/II στο “Nebel Leben” στο Haus der Kunst, 2022. Φωτογραφία από τον Andrea Rossetti. Αυτό το υπαίθριο γλυπτό ομίχλης, τοποθετημένο στο πλάι του Haus der Kunst στο Μόναχο, ήταν αξιοσημείωτο ως ανακοίνωση για το «Fujiko Nakaya. Nebel Leben», η μεγάλη αναδρομική έκθεση του έργου του 89χρονου Ιάπωνα καλλιτέχνη με πολλές άλλες εγκαταστάσεις που εμφανίζονται μέσα στο ίδρυμα. Μέρος της κολεκτίβας Experiments in Art and Technology (EAT) που περιλάμβανε τους John Cage , Robert Rauschenberg και άλλους στη δεκαετία του 1960, η Nakaya έφτιαξε το πρώτο της γλυπτό ομίχλης σε εξωτερικούς χώρους για την Osaka Expo το 1970 και από τότε είναι δυναμική. Είναι σχετικά άγνωστη στη Δύση, αλλά είναι απολύτως θεμελιώδης—μια αληθινή πρωτοπόρος της φαινομενολογικής τέχνης που προμήνυε τον Olafur Eliasson και άλλους για δεκαετίες. --Aric Chen Thenjiwe Niki Nkosi, Equations for a Body at Rest Μπέρμιγχαμ, Αγγλία  Thenjiwe Niki Nkosi, προβολή εγκατάστασης του Equations for a Body at Rest στο Μπέρμιγχαμ, Αγγλία, 2022. Μέσα από το πολυμεσικό της έργο Equations for a Body at Rest, η καλλιτέχνιδα Thenjiwe Niki Nkosi με έδρα το Γιοχάνεσμπουργκ, μας πρόσφερε ενδιαφέροντες τρόπους σκέψης για τον ιμπεριαλισμό και την αμφιλεγόμενη κληρονομιά του. Χρησιμοποιώντας φιλμ, αφίσες και έναν ιστότοπο αναφοράς που ήταν εύκολα προσβάσιμος μέσω κωδικών QR, τόνισε το θέαμα, την ιστορία και τις αντιφάσεις των Αγώνων της Κοινοπολιτείας. Αυτό παρουσιάστηκε ως μέρος του Φεστιβάλ Μπέρμιγχαμ 2022 στο Ηνωμένο Βασίλειο κατά τη διάρκεια των Αγώνων της Κοινοπολιτείας από τις 6 Ιουλίου έως τις 7 Αυγούστου. Η κριτική της Nkosi έλαβε τη μορφή τριών παρουσιάσεων, συμπεριλαμβανομένου του The Name Game, μιας σειράς αφισών που εμφανίζονται σε διάφορες τοποθεσίες διαφημιστικών πινακίδων γύρω από το Μπέρμιγχαμ και του The Same Track , μιας ταινίας που αποτελείται από αρχειακό υλικό προηγούμενων Κοινοπολιτειακών Αγώνων που προβλήθηκαν σε διάφορους δημόσιους χώρους. Η Nkosi αφαίρεσε σκόπιμα τους αθλητές από την ταινία για να επιστήσει την προσοχή στις επιδόσεις και τη φαντασμαγορία μεταξύ του αποικιστή και του αποικισμένου, υποδεικνύοντας έτσι ερωτήματα σχετικά με τον σκοπό και τη θέση της Κοινοπολιτείας από την ίδρυση μέχρι σήμερα. Το τρίτο στοιχείο ήταν ο ιστότοπος αναφοράς Equations for a Body at Rest , ο οποίος χρησίμευσε ως πύλη για περαιτέρω κριτική συζήτηση και πιο προσεκτική ανάγνωση. —Tandazani Dhlakama The Female Association of Photographers and Artists in Mali, Sotrama Photo Μπαμάκο, Μάλι
Το sotrama είναι ένα μέσο δημόσιας μεταφοράς στο Μάλι. Συχνά είναι πράσινα βαν ή μικρά λεωφορεία που μεταφέρουν επιβάτες σε σταθερά δρομολόγια στην πόλη. Εκτός από τον οδηγό, οι sotramas έχουν συχνά κουλοχέρη που μαζεύουν ναύλους και δίνουν πληροφορίες για το ταξίδι, μεσολαβώντας μεταξύ του οδηγού και των επιβατών. Φέτος, ο Σύλλογος Γυναικών Φωτογράφων και Καλλιτεχνών στο Μάλι ξεκίνησε το Sotrama Photo , το οποίο μετέτρεψε ένα sotrama σε ένα κινητό στούντιο φωτογραφίας. Στο Μπαμάκο, το Sotrama Photo πρόσφερε σε διαφορετικά κοινά την ευκαιρία να ασχοληθούν με τη φωτογραφία και να μοιραστούν ιστορίες στην καθημερινή τους μετακίνηση. Η πρόεδρος του συλλόγου, καλλιτέχνης Fatoumata Diabaté, είπε ότι ένιωθε υποχρεωμένη να αλληλεπιδράσει με τους ανθρώπους, «στριμωγμένοι στη μαρμαρυγή της ημέρας… πιεσμένη μεταξύ ελπίδας και αποθάρρυνσης». Οι επιβάτες παροτρύνθηκαν να ποζάρουν για μια φωτογραφία, να ασχοληθούν με υπάρχουσες φωτογραφίες άλλων επιβατών και να κάνουν διάλογο για τα ζητήματα της ημέρας. Σε αυτήν την περίπτωση, ο tout ήταν ένας ηθοποιός που διέκοψε τη θλίψη της ημέρας ενθαρρύνοντας τη συζήτηση και επιτρέποντας στους μετακινούμενους να γελάσουν, να προβληματιστούν και να συμμετάσχουν με διάφορους τρόπους. Ωστόσο, το Sotrama Photo δεν τελείωσε μόνο εκεί. Τα οχήματα είχαν στρατηγικές στάσεις σε καίριες γειτονιές όπου ο σύλλογος φιλοξενούσε προβολές ταινιών και συζητήσεις στην κοινότητα για σημαντικά θέματα. Οι φωτογραφίες από τα Sotrama παρουσιάστηκαν αργότερα στη Γκαλερί NEGPOS στη Γαλλία και σε πολλές τοποθεσίες στο Μάλι. Το όραμα της ένωσης είναι να αναπτύξει τον τομέα της φωτογραφίας στο Μάλι και να ενισχύσει τη θέση των γυναικών στον πολιτιστικό τομέα γενικά και στη φωτογραφία ειδικότερα, και συνεχίζουν να κάνουν ακριβώς αυτό με συγκλονιστικούς τρόπους. —Tandazani Dhlakama Shirin Neshat, Γυναίκα. ΖΩΗ. Ελευθερία. Λονδίνο, Αγγλία; Λος Άντζελες, Καλιφόρνια  Shirin Neshat, άποψη εγκατάστασης Γυναίκα. ΖΩΗ. Ελευθερία. στο Piccadilly Lights, Λονδίνο, 2022. © Shirin Neshat. © CIRCA. Φωτογραφία από το Clover Green Studio. Στις 16 Σεπτεμβρίου, η Μάσα Αμίνι, μια 22χρονη Ιρανή, πέθανε αφού συνελήφθη από την αποκαλούμενη «αστυνομία ηθικής» του Ιράν με την κατηγορία ότι φορούσε ακατάλληλα το χιτζάμπ της. Η είδηση του θανάτου της ενώ βρισκόταν υπό κρατική κράτηση έγινε αντιληπτή με οργή σε όλη τη χώρα και όχι μόνο, με αποτέλεσμα οι διαδηλωτές να βγουν στους δρόμους. Αυτό το έργο της Shirin Neshat είναι μια επείγουσα δημόσια επιτροπή που ενσαρκώνει τον ιρανικό αγώνα για ελευθερία και βασικά ανθρώπινα δικαιώματα. Το έργο που μεταδόθηκε από την 1η έως τις 4 Οκτωβρίου στο Piccadilly Circus στο Λονδίνο και στο Pendry West Hollywood στο Λος Άντζελες, λειτουργεί ως ισχυρό συνοδευτικό του σλόγκαν που ακούγεται σε όλο το Ιράν: "Γυναίκα. ΖΩΗ. Ελευθερία." Μέσω ενός συνδυασμού επείγουσας ανάγκης και φροντίδας, η Neshat επέλεξε δύο κομβικά έργα από τη σειρά της "Women of Allah" (1993–97) με τίτλο Moon Song and Unveiling. Σε μια δήλωση σχετικά με το κομμάτι, η Neshat είπε: "Για μένα, το νόημα του κειμένου και των σφαιρών [στο Moon Song] υποδηλώνει τη σύγχρονη πραγματικότητα του Ιράν, ενώ το paisley και άλλα φυτικά μοτίβα συμβολίζουν την πλούσια αρχαία περσική ιστορία του Ιράν". Η τρέχουσα ανθρωπιστική κρίση στο Ιράν μας επηρεάζει όλους. Οποιοσδήποτε αγώνας για δικαιοσύνη και οποιαδήποτε διαμαρτυρία για την προστασία των δικαιωμάτων των γυναικών, επηρεάζει την παγκόσμια κοινότητά μας. "Γυναίκα. ΖΩΗ. Ελευθερία." , η Neshat συμπυκνώνει συναισθήματα περιφρόνησης και ελπίδας που αντηχούν έντονα μαζί της αυτή τη στιγμή. Αλλά το πιο σημαντικό, ο καλλιτέχνης προκαλεί την ιδέα της αλληλεγγύης, καλώντας τους ανθρώπους σε όλο τον κόσμο να απηχήσουν περαιτέρω τις κραυγές συγκέντρωσης των Ιρανών για ελευθερία. —Luise Faurschou Tino Sehgal, Special Project στην Piazza Maggiore, Bologna for Art City Bologna 2022 Μπολόνια, Ιταλία
Η κριτική αναγνώριση του Tino Sehgal πηγάζει από τη ριζοσπαστική καλλιτεχνική του πρακτική που παίρνει τη μορφή «κατασκευασμένων καταστάσεων»: ζωντανές συναντήσεις μεταξύ των επισκεπτών και εκείνων που διαδραματίζουν το έργο. Όπως κανένας άλλος, ο Sehgal επαναδιατυπώνει τους χώρους τέχνης ως ένα τελετουργικό περιβάλλον κοινωνικών αλληλεπιδράσεων. Έτσι, η συμβατική σχέση υποκειμένου-αντικειμένου αμφισβητείται και ανακατευθύνεται σε μια φευγαλέα παραγωγή υπονοούμενων, εμπλοκής, σύνδεσης και ανήκειν. Η συγκεκριμένη παρέμβαση που σχεδίασε ο Sehgal για την Piazza Maggiore - για αιώνες ένα μέρος συνάντησης και ανταλλαγής, που περιβάλλεται από μεσαιωνικά ανάκτορα και την επιβλητική Βασιλική του San Petronio - συμμετείχαν 45 χορευτές και καλλιτέχνες. Το σώμα και οι χειρονομίες τους χρησιμοποιήθηκαν ως καλλιτεχνικό και ανθρώπινο υλικό για να μετατρέψουν την εμβληματική πλατεία σε υπαίθριο μουσείο, εμπλέκοντας επισκέπτες και περαστικούς σε μια κοινωνική εμπειρία αμοιβαίας ανταλλαγής. Το γεγονός ότι τα έργα του Sehgal παράγονται με αυτόν τον τρόπο προκαλεί ένα διαφορετικό είδος θεατή: Ο επισκέπτης δεν είναι πλέον μόνο ένας παθητικός θεατής, αλλά αυτός που έχει την ευθύνη να διαμορφώσει και να συνεισφέρει. Τα έργα του μπορεί να ρωτούν τους επισκέπτες τι σκέφτονται, αλλά το πιο σημαντικό, υπογραμμίζουν τη δράση ενός ατόμου στο περιβάλλον του μουσείου. —Luise Faurschou Charles Gaines, Moving Chains Governors Island, Νέα Υόρκη  Charles Gaines, εγκατάσταση Moving Chains στο Governors Island, 2022. Φωτογραφία από τον Timothy Schenck. Μια μνημειώδης κινητική εγκατάσταση από τον εννοιολογικό καλλιτέχνη Charles Gaines με έδρα το Λος Άντζελες, το Moving Chains περιλαμβάνει εννέα σειρές εξατομικευμένων αλυσίδων από χάλυβα, που κυλίονται συνεχώς στην κορυφή μιας ξύλινης κατασκευής που μοιάζει με κύτος πλοίου. Βρίσκεται στο νησί Governors της Νέας Υόρκης, κατά μήκος της πλωτής οδού του λιμανιού της Νέας Υόρκης, η εγκατάσταση είναι ένα ισχυρό σχόλιο και κριτική της ιστορίας της δουλείας και της συστηματικής βίας που είναι εγγενής στον φυλετικό καπιταλισμό και είναι θεμελιώδης για τις Ηνωμένες Πολιτείες. Η ταχύτητα κίνησης οκτώ από τις αλυσίδες ταιριάζει με τα ρεύματα του λιμανιού, ενώ η σκουριασμένη ένατη αλυσίδα στη μέση ταξιδεύει πιο γρήγορα από τις υπόλοιπες για να μοιάζει με την κίνηση των σκαφών στην πλωτή οδό της πόλης - η οποία, από την πρώιμη αποικιακή κατοχή, είχε γίνει σημαντικός χώρος για το υπερατλαντικό δουλεμπόριο. Αντικρίζοντας το Άγαλμα της Ελευθερίας, η συμβολική δύναμη της αλυσίδας αναδεικνύει την αντίφαση και την πολυπλοκότητα καθώς αντικατοπτρίζει το σπασμένο δεσμό και την αλυσίδα στο δεξί πόδι της Λαίδης Ελευθερίας - μια αναπαράσταση της κατάργησης. Περπατώντας στο σώμα του πλοίου, οι δυνατοί και ρυθμικοί θόρυβοι των κυλιόμενων αλυσίδων κατακλύζουν τους επισκέπτες από ψηλά, υπενθυμίζοντάς μας ότι το βάρος της ιστορίας δεν μπορεί και δεν θα σωπάσει. Ως μία από τις πρώτες δημόσιες παραγγελίες τέχνης του καλλιτέχνη, η Moving Chains πήρε τον Gaines - ο οποίος είναι περισσότερο γνωστός για τα σχέδιά του με πλέγμα και αριθμούς - για να πραγματοποιήσει οκτώ χρόνια λόγω πολλών προκλήσεων χρηματοδότησης και μηχανικής, καθώς και της πανδημίας COVID-19. Ως μέρος μιας δημόσιας σειράς τέχνης τριών κεφαλαίων με τίτλο «The American Manifest», το Moving Chains είναι ένα από τα πιο ισχυρά δημόσια έργα τέχνης που παρουσιάστηκαν φέτος. — Xiaoyu Weng Brian Jungen, Couch Monster: Sadzěʔyaaghęhch'ill Τορόντο, Καναδάς  Brian Jungen, άποψη εγκατάστασης του Couch Monster: Sadzěʔ yaaghęhch'ill στην Πινακοθήκη του Οντάριο, 2022. © Brian Jungen. Αποκαλύφθηκε τον Ιούνιο στη διασταύρωση των οδών Dundas και McCaul στην καναδική πόλη του Τορόντο, το Couch Monster: Sadzěʔyaaghęhch'ill είναι ένα χάλκινο γλυπτό σε σχήμα ελέφαντα τσίρκου που συναρμολογείται από κομμένους δερμάτινους καναπέδες. Η χυτή επιφάνεια των δερμάτινων καναπέδων είναι υπερρεαλιστική, δημιουργώντας τη δερμάτινη υφή του δέρματος ενός ελέφαντα. Αυτό το δημόσιο έργο τέχνης του καλλιτέχνη Brian Jungen ξεκίνησε με την ιστορία του Jumbo, ενός αιχμάλωτου ελέφαντα τσίρκου που έγινε πρωτοσέλιδο διεθνώς όταν χτυπήθηκε και σκοτώθηκε από ένα τρένο στο St. Thomas του Οντάριο, το 1885. Η έμπνευση να χρησιμοποιήσει κομμένα έπιπλα ως μέσο ήρθε για πρώτη φορά στον Jungen όταν επισκέφθηκε το Τορόντο το 2017, αφού είδε πεταμένα έπιπλα στους δρόμους της πόλης. Αντιπαραθέτοντας διαφορετικά υλικά, υφές και θεματολογία, ο Jungen συνδέει τις κακοτυχίες μεγάλων άγριων ζώων που έχουν εγκλωβιστεί, χρησιμοποιηθεί και συχνά βασανιστεί από ανθρώπους για ψυχαγωγία με τη μοίρα των οικιακών αγαθών που κάποτε ήταν πολυτελή και εξυψωτικά, αλλά τώρα έχουν λυθεί. —προκαλώντας ενσυναίσθηση μέσω της δέσμευσης οικείου καθημερινού περιβάλλοντος. Ο υπότιτλος του έργου, στη γλώσσα των Δανών-zaa της ιθαγενούς κληρονομιάς του Jungen, μεταφράζεται σε «Η καρδιά μου σκίζει». Όταν ο Jungen ρώτησε τους ηλικιωμένους στην κοινότητά του τι πιστεύουν για τους ελέφαντες του τσίρκου, δεν θυμήθηκαν ιδέες χαράς αλλά πώς το «πνεύμα» των ζώων είχε σπάσει από τους απαγωγείς τους. Ο ελέφαντας του Jungen φαίνεται να κάνει ένα κόλπο, στέκεται πάνω σε μια μπάλα: Τα τέσσερα πόδια του μετά βίας χωρούν και ισορροπούν. Αυτό που κρύβεται κάτω από την παιχνιδιάρικη εμφάνιση του Couch Monster παρακινεί τον δύσκολο αλλά απαραίτητο προβληματισμό για τη σκληρότητα της ανθρωπότητας. Η ιστορία της βίας, του ελέγχου και της φυλάκισης ξεπερνά πολύ την τραγωδία του Jumbo, όπως μαρτυρείται στην αποικιοκρατία και τη σκλαβιά. Με παραγγελία της Kitty Scott, της Πινακοθήκης Τέχνης της πρώην Επιμελήτριας Μοντέρνας και Σύγχρονης Τέχνης Carol and Morton Rapp του Οντάριο, το έργο χρειάστηκε πέντε χρόνια για να ολοκληρωθεί και τώρα αποτελεί μέρος της μόνιμης συλλογής του ιδρύματος. — Xiaoyu Weng Judy Watson, bara Σύδνεϋ, Αυστραλία  Judy Watson, εγκατάσταση bara στο Σίδνεϊ, Αυστραλία, 2022. Photo by Document Photography. Η μητρογενής οικογένεια της Judy Watson είναι από τη χώρα Waanyi στο βορειοδυτικό Queensland της Αυστραλίας. Το έργο της —που περιλαμβάνει ζωγραφική, χαρακτική, σχέδιο, γλυπτική και βίντεο— είναι εμπνευσμένο από την ιστορία και τον πολιτισμό των Αβορίγινων. Η καλλιτέχνιδα ασχολείται συχνά με τη συλλογική μνήμη, χρησιμοποιώντας αρχειακά έγγραφα για να αποκαλύψει τις θεσμοθετημένες διακρίσεις κατά των Αβορίγινων και τις κρυφές ιστορίες του παρελθόντος της Αυστραλίας. Τον Μάιο, ο διεθνώς αναγνωρισμένος καλλιτέχνης παρουσίασε ένα νέο έργο, bara, σε μια τελετή με θέα στο λιμάνι του Σίδνεϊ, στο γρασίδι Tarpeian Precinct πάνω από το Dubbagullee (Bennelong Point). Με ένα μνημειακό bara, τα οποία είναι τα αγκίστρια ψαριών που κατασκευάζονται και χειρίζονται οι γυναίκες Gadigal για χιλιάδες γενιές, το έργο γιορτάζει τους Πρώτους Λαούς του Σίδνεϊ —τους παραδοσιακούς φύλακες της χώρας Gadigal— και τιμά τις φυλές του Έθνους Eora. Στο λιμάνι, οι γυναίκες ψάρευαν από τα nawis τους (κανό), τραβώντας αλιεύματα με bara δεμένα με καρετζούν ή καραχτζούν (χορδόνι θάμνου) για να μαγειρέψουν σε ανοιχτές εστίες. Η Watson συνεργάστηκε με τους τοπικούς Πρεσβύτερους, τον Uncle Allen και τον Charles "Chicka" Madden, για την ανάπτυξη της ιδέας της και συνεργάστηκε με την UAP στο σχεδιασμό, την κατασκευή και την εγκατάσταση του έργου. Η χρήση του μαρμάρου ανατρέπει ποιητικά ένα παραδοσιακά αποικιακό υλικό για να αναπαραστήσει ένα νέο μνημείο για τους ανθρώπους των Πρώτων Εθνών. Το αστραφτερό φινίρισμά του θυμίζει τοπικά κοχύλια και απηχεί έξοχα τη λαμπρή, πλακόστρωτη επιφάνεια της Όπερας του Σίδνεϊ, ενώ αντανακλά το φεγγάρι τη νύχτα. Και το σχήμα του μισοφέγγαρου αντανακλά τα σχήματα του φεγγαριού, τους όρμους του λιμανιού, τις μορφές της Όπερας του Σίδνεϊ και την αψίδα της Γέφυρας του Λιμανιού. Σχετικά με το έργο, είπε ο Watson, «η bara αναπαράγει τους αρχαίους χώρους συγκέντρωσης όπου οι άνθρωποι κάθονταν δίπλα στις φωτιές στα ακρωτήρια και γλέντιζαν» . να εκφράσει εύγλωττα τη σχέση μεταξύ των πολιτικών, κοινωνικών και φυσικών τοπίων του ιστορικού και του σύγχρονου Σίδνεϊ». — Natasha Smith και Ineke Dane Richard Bell, Pay the Rent (Αυστραλία) Κάσελ, Γερμανία  Richard Bell, άποψη εγκατάστασης του Pay the Rent at Fridericianum, Kassel, 2022. Τοποθετημένο στην αναμφισβήτητα πιο δημοφιλή θέση στη φετινή Documenta 15, το Pay the Rent του Αβορίγινου καλλιτέχνη Richard Bell (Αυστραλία) δεν μπορούσε να το χάσετε στην πρόσοψη του Fridericianum στο Κάσελ. Το έργο ήταν μια μακρά, μαύρη ψηφιακή πινακίδα που εμφάνιζε μια φωτεινή κόκκινη, απίστευτα μεγάλη φιγούρα που αυξανόταν εκθετικά κατά το δευτερόλεπτο. Υπολογιζόμενο σε πραγματικό χρόνο χρησιμοποιώντας έναν αλγόριθμο ενσωματωμένο με ανατοκισμό και πληθωρισμό, αντιπροσωπεύει το ποσό του χρέους που οφείλει η αυστραλιανή κυβέρνηση στους Αβορίγινες από την ομοσπονδία της Αυστραλίας το 1901. — Natasha Smith και Ineke Dane Αυτό το άρθρο δημοσιεύθηκε αρχικά στο *Ακολουθήστε μας στο Google News, Facebook, instagram, twitter και γίνετε μέρος της κοινότητας μας στο Discord.
|
Η σύγχρονη τέχνη στην ελλάδα και στο εξωτερικό, εικαστικά, γλυπτική, κατασκευές, καλλιτέχνες, γκαλερί, πολιτισμός |
