 The Dinner Party (1979) της Judy Chicago. Bee1120 , CC BY-SA 4.0 , μέσω Wikimedia Commons Σε όλες τις ομάδες έργων τέχνης που συναντάμε στη ζωή μας, ορισμένα κομμάτια έχουν την ικανότητα να αλλάξουν τον κόσμο μας. Αυτά τα έργα τέχνης διαμορφώνουν τις απόψεις μας, τις ενισχύουν ή δημιουργούν νέους φακούς μέσα από τους οποίους βλέπουμε τον κόσμο. Αυτός είναι ο τομέας της πολιτικής τέχνης – όπου η τέχνη και η ανθρώπινη εμπειρία συνυπάρχουν. Πολιτική Τέχνη Συχνά ακατάστατη αλλά πάντα ισχυρή, η πολιτική τέχνη επηρεάζει τον τρόπο με τον οποίο εκτυλίσσεται η ιστορία, κοιτάζοντας προς τα πίσω και προς τα εμπρός στο χρόνο. Η πολιτική τέχνη βρίσκεται στο επίκεντρο της κοινωνικής αλλαγής και περιγράφει και επηρεάζει στενά τον τρόπο που ζούμε. Αυτό το άρθρο διερευνά τη σημασία της τέχνης κοινωνικών θεμάτων, τους διαφορετικούς τύπους της και μερικές από τις πιο διάσημες πολιτικές τέχνες.  Guerrilla Girls στο Μουσείο Victoria and Albert στο Λονδίνο, Ηνωμένο Βασίλειο. Eric Huybrechts , CC BY-SA 2.0 , μέσω Wikimedia Commons Τι είναι η Πολιτική Τέχνη; Πολλοί λένε ότι όλη η τέχνη είναι πολιτική. Δεν έχουν άδικο. Η τέχνη και η κοινωνία είναι από καιρό αχώριστες, δημιουργώντας νέες ταυτότητες και διαμορφώνοντας την κατανόησή μας για τον κόσμο. Η τέχνη επηρεάζεται επίσης από πολιτικές αλλαγές, γεγονότα και ιδεολογίες. Για αιώνες, η τέχνη και η πολιτική επηρεάζουν η μία την άλλη. Ανεξάρτητα από το πώς ένα έργο τέχνης έγινε πολιτικό, ωστόσο, είναι σημαντικό να κατανοήσουμε ότι όλη η τέχνη μπορεί να είναι πολιτική με βάση το πλαίσιο στο οποίο παράγεται, διανέμεται και παρατηρείται. Εξακολουθεί όμως να τίθεται το ερώτημα, τι είναι η πολιτική τέχνη; Ή τι είναι πολιτικό στην τέχνη; Πολιτική τέχνη είναι κάθε τέχνη που ευαισθητοποιεί ή σχολιάζει ένα κοινωνικό ή πολιτικό ζήτημα, προκειμένου να ερμηνευτεί και να γίνει κατανοητό από το κοινό. Επειδή η τέχνη είναι υποκειμενική, η τέχνη κοινωνικού ζητήματος είναι συχνά βαθιά μπλεγμένη στις πολιτικές απόψεις των ίδιων των καλλιτεχνών.  An excrescence;-a fungus;-alias-a toad-stool upon a dung-hill. (1791) του James Gillray. Rijksmuseum , CC0, μέσω Wikimedia Commons Η πολιτική τέχνη μπορεί είτε να ασκήσει κριτική είτε να υποστηρίξει ένα υπάρχον status quo, άποψη ή κυβέρνηση. Με τα χρόνια, η πολιτική τέχνη έχει χρησιμοποιηθεί για να αμφισβητήσει την αυταρχική εξουσία, να διεκδικήσει δικαιώματα ή να φέρει αναγνώριση σε ευάλωτες ομάδες. Εξίσου, η πολιτική τέχνη έχει χρησιμοποιηθεί για να επιτρέψει τον φανατισμό και να οδηγήσει τα έθνη σε πόλεμο. Η τέχνη ως πολιτική δήλωση είναι επομένως πολύπλοκη, γεμάτη με αρνητικές και θετικές δυνατότητες. Το πιο σημαντικό, ωστόσο, η πολιτική τέχνη είναι η αλλαγή. Καλώς ή κακώς, οι πολιτικοί καλλιτέχνες εμπνέονται από τη βούληση να αλλάξουν τις κοινωνίες τους ως απάντηση σε αδικίες ή ανησυχίες που αντιλαμβάνονται. Τουλάχιστον, η τέχνη ως πολιτική δήλωση επιδιώκει να ευαισθητοποιήσει ώστε οι άλλοι να φέρουν την αλλαγή. Αρχαία Πολιτική Τέχνη Η πολιτική τέχνη έχει τις ρίζες της στην Αρχαία περίοδο. Θα μπορούσε κανείς να υποστηρίξει ότι ακόμη και η Στήλη της Ροζέτας είναι ένα πολιτικό έργο τέχνης, καθώς έφερε στο πρόσωπό της μια επιγραφή πολιτικού διατάγματος. Όμως, η τέχνη του αρχαίου κοινωνικού ζητήματος σπάνια εμφανιζόταν όπως συμβαίνει σήμερα, και σπάνια είχε τον αντίκτυπο που έχουν τα πολιτικά έργα τέχνης στο παρόν. Η περισσότερη αρχαία πολιτική τέχνη επικεντρώθηκε στη νομιμοποίηση της εξουσίας των ηγεμόνων να κερδίσουν σεβασμό και πίστη από τους υπηκόους τους. Αυτά τα πολιτικά έργα τέχνης συνήθως περιελάμβαναν εκφοβιστικές μάσκες, περίτεχνες κόμμωση και ωραία κοσμήματα. Σε ορισμένες αρχαίες κοινωνίες, τα γλυπτά και τα ενεπίγραφα πορτρέτα θα διατηρούσαν την κληρονομιά των πολιτικών ηγετών. Σε μικρότερης κλίμακας αρχαίες κοινωνίες, η πολιτική τέχνη έτεινε προς την παροχή κοινωνικής ή πολιτικής εκπαίδευσης σε θέματα, συχνά σχετιζόμενη με πνευματικές δυνάμεις στις οποίες πίστευαν οι άνθρωποι. Αυτά τα έργα τέχνης χρησιμοποιήθηκαν για να ενσταλάξουν τον φόβο ή να υποδείξουν την καλοσύνη των πνευματικών οντοτήτων. Αυτό το είδος πολιτικής τέχνης κυριάρχησε στην Αρχαία περίοδο καθώς οι καλλιτέχνες είχαν μικρή ελευθερία να εκφράσουν τις προσωπικές πολιτικές τους τάσεις. Μεταξύ του 1200 και του 1600 επίσης, η πολιτική τέχνη παρέμεινε κυρίως ένα εργαλείο για τις κυρίαρχες ελίτ για να στερεοποιήσουν την εξουσία. Αλλά καθώς ο κόσμος άλλαξε στο πέρασμα των αιώνων, άλλαξε και η πολιτική τέχνη. Ποια είναι τα είδη της πολιτικής τέχνης; Επειδή το είδος είναι πολύπλευρο, υπάρχουν πολλά διαφορετικά είδη πολιτικής τέχνης. Όσο υπάρχει πολιτική προπαγάνδα στην τέχνη, υπάρχει επίσης η σατιρική, η συμμετοχική και η ακτιβιστική πολιτική τέχνη, αλλά όλες εμπίπτουν στις τρεις κύριες κατηγορίες της Απεικόνισης, της Προώθησης και της Προβολής.  Το άγαλμα Dump Trump σε μια διαδήλωση κατά του Trump στην πλατεία Trafalgar στο Λονδίνο στις 4 Ιουνίου 2019. Ο Garry Knight από το Λονδίνο, Αγγλία , CC0, μέσω Wikimedia Commons Μερικές φορές μόνο το θέμα ενός έργου τέχνης είναι αρκετό για να το κάνει πολιτικό. Με την τεκμηρίωση ενός συγκεκριμένου γεγονότος, οι καλλιτέχνες μπορούν να προβάλλουν πολιτικούς ισχυρισμούς παρατηρώντας και αναπαριστώντας το γεγονός μέσω της τέχνης. Το πολιτικό έργο τέχνης που εμπίπτει στην κατηγορία της απεικόνισης απεικονίζει συνήθως γεγονότα της πραγματικής ζωής που έχουν συμβεί στο παρελθόν ή συμβαίνουν επί του παρόντος. Οι άνθρωποι σχετίζονται με αυτά τα έργα τέχνης σύμφωνα με τις δικές τους θέσεις και εμπειρίες στην κοινωνία. Ο ρεαλισμός και ο νατουραλισμός είναι κοινά θέματα στην πολιτική τέχνη της απεικόνισης. Η οπτική γωνία του καλλιτέχνη εξακολουθεί να έχει σημασία εδώ, αλλά ο κύριος στόχος είναι να παρέχει ακριβείς και πιστές απεικονίσεις της πραγματικότητας. Διαφορετικά άτομα παίρνουν διαφορετικές στάσεις μετά την προβολή του έργου τέχνης. Ένας πίνακας με την πτώση του Τείχους του Βερολίνου, για παράδειγμα, απεικονίζει ρεαλιστικά ένα κοινωνικό γεγονός, ενώ δημιουργεί διαφορετικές απόψεις μεταξύ των ανθρώπων που το βλέπουν, τροφοδοτημένες από τις δικές τους εμπειρίες και αναμνήσεις. Η πολιτική τέχνη ως προώθηση είναι λιγότερο ουδέτερη και περιλαμβάνει περισσότερες από τις πολιτικές απόψεις του καλλιτέχνη. Η προωθητική πολιτική τέχνη έχει να κάνει με την εξεύρεση λύσεων σε κοινωνικά γεγονότα και δράματα. Αλλά το να δώσεις μια λύση σημαίνει επίσης ότι εμπλέκεις τη δική σου γνώμη στο έργο τέχνης, και έτσι η υποκειμενικότητα είναι πιο βαθιά ριζωμένη σε αυτό το είδος πολιτικής τέχνης. Αυτό είναι συχνά όπου βλέπουμε πολιτική προπαγάνδα στην τέχνη.  Θεέ μου, Βοήθησέ με να επιβιώσω από αυτή τη θανατηφόρα αγάπη (1990) του Ντμίτρι Βρούμπελ. Bundesarchiv, B 145 Bild-F088809-0038 / {Δημιουργός: Joachim F. Thurn , CC BY-SA 3.0 DE , μέσω Wikimedia Commons Ορισμένα στοιχεία της σκηνής είναι προνομιούχα έναντι άλλων και ο καλλιτέχνης κάνει συνειδητές επιλογές σχετικά με το μήνυμα που θέλει να μεταδώσει στο κοινό που βλέπει. Ο καλλιτέχνης προκαλεί συγκίνηση στον θεατή, ενισχύοντας την πίστη του στο πολιτικό μήνυμα που παρουσιάζει το έργο τέχνης. Τα διαφημιστικά πολιτικά έργα τέχνης έχουν ξεκάθαρο νόημα και εμπνέουν όσους συμφωνούν με το μήνυμα. Αυτό το είδος πολιτικής τέχνης είναι συχνά ρεαλιστικό σε στυλ, αλλά απολαμβάνει δημιουργικό χώρο για πειραματισμό αφήγησης. Η προβολή είναι το πιο αποσταθεροποιητικό από όλα τα είδη πολιτικής τέχνης, καθώς φαντάζεται κόσμους που δεν έχουν ακόμη έρθει. Είναι η πολιτική τέχνη αυτού που θα μπορούσε να είναι, που περιλαμβάνει τη χρήση ποικίλων καλλιτεχνικών στοιχείων. Τα έργα τέχνης αυτού του τύπου σπάνια απεικονίζουν γεγονότα ή προβάλλουν ευθέως πολιτικά επιχειρήματα, αντίθετα γίνονται πολιτικά αποκλειστικά και μόνο λόγω του τρόπου με τον οποίο αμφισβητούν και σπάνε τα όρια του υπάρχοντος status quo τόσο στην τέχνη όσο και στην πολιτική. Τα πολιτικά μηνύματα συνήθως κρύβονται στο έργο τέχνης ή απαιτούν προσωπική ερμηνεία για να αποκτήσουν νόημα. Για αυτόν τον λόγο, αυτά τα έργα τέχνης μπορούν να ιδιοποιηθούν και να παραληφθούν από άτομα με διαφορετικές πολιτικές απόψεις. Τα κινήματα του Νταντά και του Σουρεαλισμού είναι παραδείγματα αυτού του τύπου πολιτικής τέχνης, όχι για τις άμεσες πολιτικές τους δηλώσεις αλλά για τον τρόπο που μετατόπισαν το status quo στην κοινωνία. Διάσημη Πολιτική Τέχνη Παρακάτω είναι μια λίστα με δέκα από τα πιο διάσημα πολιτικά έργα τέχνης και πολιτικούς καλλιτέχνες. Θα παρατηρήσετε πώς η πολιτική τέχνη έχει εξελιχθεί από την αρχαία περίοδο – οι καλλιτέχνες εμφυσούν περισσότερη δημιουργικότητα στη δουλειά τους και τα πολιτικά τους μηνύματα είναι πιο λεπτά, αλλάζοντας ταυτόχρονα την ίδια τη μορφή τέχνης στη διαδικασία.  Ένα γραφικό εμπνευσμένο από το Americans Against Insecure Billionaires with Tiny Hands PAC (2016) άγνωστο καλλιτέχνη. Lorie Shaull από Ουάσιγκτον, Ηνωμένες Πολιτείες , CC BY-SA 2.0 , μέσω Wikimedia Commons The Death of Marat (1793) του Jacques Louis-David Ο Jacques Louis-David παραμένει ένας από τους Γάλλους καλλιτέχνες με τη μεγαλύτερη επιρροή στην ιστορία, όχι μόνο για τη δική του τεχνική λαμπρότητα αλλά και για τους τρόπους με τους οποίους αποτύπωσε τη Γαλλική Επανάσταση σε καμβά. Ο Louis-David μεγάλωσε στο Παρίσι πριν μετακομίσει στην Ιταλία για να τελειοποιήσει το καλλιτεχνικό του ταλέντο. Όσο ήταν εκεί, επηρεάστηκε από την τέχνη του ροκοκό και του μπαρόκ, που τελικά συνδύασε και αντικατέστησε με τον νεοκλασικισμό. Το μπαρόκ είναι ένα στυλ τέχνης που διακρίνεται για το μεγαλείο του, που χρησιμοποιεί πλούσια χρώματα και έντονη λεπτομέρεια για να μεταδώσει συναισθήματα και δραματισμό περισσότερο από τα άμεσα πολιτικά θέματα. Παρόλο που τελικά ξεπέρασε αυτά τα είδη με τον νεοκλασικισμό, τα μπαρόκ στοιχεία δράματος και ζωντάνιας εξακολουθούν να κρύβονται στους πίνακές του. Ο νεοκλασικισμός, ένα κίνημα συνώνυμο του Louis-David σήμερα, ήταν γνωστό ότι είχε πολιτικά ή ηθικά θέματα, μια απάντηση στην πολιτική ουδετερότητα του Ροκοκό. Ο Louis-David ήταν υποστηρικτής και προπαγανδιστής των Ιακωβίνων, της ομάδας που οδήγησε την επανάσταση και ανέτρεψε τη γαλλική μοναρχία. Το ροκοκό ήταν το επίσημο στυλ τέχνης της μοναρχίας εκείνη την εποχή, και καλλιτέχνες-επαναστάτες όπως ο Louis-David το είδαν ως υπερβολικά δραματικό, αποστασιοποιημένο και υπερβολικό. Με την προώθηση του νεοκλασικισμού και την απόρριψη του ροκοκό, ο καλλιτέχνης έθεσε μια πολιτική πρόκληση στην κυβέρνηση, χρησιμοποιώντας το νέο είδος για να εκφράσει θέματα και στυλ που είχαν απορριφθεί στο παρελθόν. Το ρεπερτόριό του στην πολιτική τέχνη – πριν, κατά τη διάρκεια και μετά την επανάσταση – είναι τεράστιο, αλλά ένας από τους πιο διάσημους πολιτικούς πίνακές του παραμένει ο Θάνατος του Μαράτ (1793). Ο θάνατος του Μαράτ (1793) απεικονίζει μια πραγματική σκηνή στην οποία ο εξέχων ηγέτης των Ιακωβίνων Ζαν-Πολ Μαρά δολοφονήθηκε στο μπάνιο του. Σε αυτό το σημείο της Γαλλικής Επανάστασης, τα δημοκρατικά ιδεώδη που την ενέπνευσαν αρχικά ξεχάστηκαν γρήγορα καθώς διαφορετικές πολιτικές φατρίες μάχονταν για την εξουσία. Ο Marat, που ανήκε στη φατρία των Montagnard, δολοφονήθηκε από τη Charlotte Corday που υποστήριξε τους αντίπαλους Girondins. Κατηγόρησε τον Marat για τη συμμετοχή του σε πολυάριθμες εκτελέσεις που είχαν λάβει χώρα στο πλαίσιο της Βασιλείας του Τρόμου. Παρόλο που ο Marat ήταν πράγματι κεντρικό πρόσωπο σε αυτές τις εκτελέσεις, η απεικόνιση της δολοφονίας από τον Louis-David γρήγορα έβαλε περισσότερο λάδι στη φωτιά και υποστήριξη για τους Montagnards ενισχύθηκε. Αυτή είναι η δύναμη της πολιτικής τέχνης – να διαμορφώνει την αντίληψη. Ο κόσμος παρέβλεψε τις προηγούμενες αδικίες του Marat αφού είδε αυτόν τον πίνακα, καθώς ο Louis-David τον παρουσίασε με επιτυχία ως έναν ακούραστο επαναστάτη που είχε προδοθεί.  The Death of Marat (1793) του Jacques Louis-David. Jacques-Louis David , Δημόσιος τομέας, μέσω Wikimedia Commons Στον πίνακα, ο Louis-David προωθεί μια συγκεκριμένη άποψη. Πώς όμως το κάνει αυτό, βλέποντας ότι ο πίνακας είναι απλώς μια απεικόνιση ενός γεγονότος; Αυτό είναι το χαρακτηριστικό ενός καλού πολιτικού καλλιτέχνη. Χειρίστηκε διάφορα στοιχεία στη σκηνή για να προτείνει διακριτικά ένα συγκεκριμένο πολιτικό επιχείρημα, χρησιμοποιώντας την τέχνη ως πολιτική δήλωση. Ο Μαράτ είναι ζωγραφισμένος ως ένας παραδοσιακός θρησκευόμενος μάρτυρας καλυμμένος με ιερή λάμψη, παίρνοντας τις τελευταίες του ανάσες, με το στυλό στο χέρι για να δείξει τη δέσμευσή του στην επανάσταση. Ο Louis-David δεν έκανε χρήση τέτοιων δραματικών εικόνων, αλλά γνώριζε ότι θα είχε απήχηση σε ολόκληρο το έθνος, καθώς μόλις είκοσι χρόνια πριν αυτό ήταν το κύριο καλλιτεχνικό στυλ. Σίγουρα είχε απήχηση. Η Βασιλεία του Τρόμου επιδεινώθηκε μόνο μετά την κυκλοφορία αυτού του πίνακα. Πολλές αθώες ζωές χάθηκαν ως αποτέλεσμα της παράνοιας που ακολούθησε τον θάνατο του Marat και της φιλότιμης απεικόνισης του από τον Louis-David. Μετά την επανάσταση, ο Louis-David μετατόπισε την πίστη του στον νέο αυτοκράτορα Ναπολέοντα, για τον οποίο παρήγαγε και πολιτική τέχνη. Πίνακες όπως ο Ναπολέων που διασχίζει τις Άλπεις (1802) και η στέψη του Ναπολέοντα (1807) είναι πολιτικοί καθώς παρείχαν νομιμότητα και δόξα στην αξίωση του Ναπολέοντα για το θρόνο. The Plumb-pudding in Danger (1805) του James Gillray Ένα άλλο δημοφιλές είδος πολιτικής τέχνης είναι η σάτιρα. Η σάτιρα φτάνει σε πολλά διαφορετικά μέσα, άλλοτε ως κόμικς και άλλοτε ως πίνακες ζωγραφικής, και επιδιώκει να φέρει πολιτική συνείδηση ή να προβάλει πολιτικά επιχειρήματα μέσω κωμικών εφέ. Πίσω στο γύρισμα του 19ου αιώνα στην Αγγλία, η πολιτική σάτιρα γινόταν σιγά-σιγά ένας σημαντικός τρόπος με τον οποίο οι άνθρωποι διαμόρφωσαν απόψεις για την πολιτική και την κοινωνία. Ο James Gillray ήταν ένας πολύ σημαντικός καλλιτέχνης από αυτή την άποψη. Μερικές φορές αναφέρεται ως «ο πατέρας της πολιτικής γελοιογραφίας» από ιστορικούς τέχνης, η ειδικότητα του Gillray ήταν να φέρει δημιουργικό χιούμορ και εξυπνάδα στη διάσημη πολιτική του τέχνη. Η μορφοποιητική του καλλιτεχνική εκπαίδευση ήταν στη χαρακτική και την υδατική επεξεργασία, δημιουργώντας έργα στη Βασιλική Ακαδημία που έστρεψαν σταδιακά την προσοχή στις δεξιότητές του. Ο Gillray παρήγαγε περίπου 1600 κινούμενα σχέδια, καρικατούρες και εκτυπώσεις σε όλη τη μακρά και επιτυχημένη καριέρα του ως πολιτικός καλλιτέχνης. The Plumb-pudding in Danger (1805) είναι, ωστόσο, εύκολα το πιο διαρκές έργο του. Η εικόνα που δημιούργησε τότε ερμηνεύτηκε εκ νέου από πολιτικούς σκιτσογράφους έκτοτε, καθιστώντας την ένα από τα πιο γνωστά πολιτικά σκίτσα στην ιστορία. Η καρικατούρα της υδρόγειας σφαίρας που χωρίζεται θαρραλέα σε μέρη από ισχυρούς ηγεμόνες, σαν ένα γεύμα σε ένα τραπέζι, έχει επανεμφανιστεί από τότε σε περιόδους σύγκρουσης. Στην αρχική εκδοχή του Gillray, ο αυτοκράτορας Ναπολέων και ο Άγγλος πρωθυπουργός William Pitt μοιράζουν μια εικονιστική πουτίγκα του πλανήτη με τα βρετανικά νησιά στο κέντρο. Ο Ναπολέων απομακρύνεται από την Ευρώπη, ενώ ο Pitt κόβει ένα κομμάτι από τις Δυτικές Ινδίες - μια ακριβής απεικόνιση των αυτοκρατορικών φιλοδοξιών και των δύο χωρών εκείνη την εποχή. Αναλύοντας το σχέδιο, ωστόσο, βλέπουμε πώς ο Gillray έκανε λεπτές πολιτικές επιχειρηματολογίες.  The Plumb-pudding in Danger (1805) του James Gillray. James Gillray , Δημόσιος τομέας, μέσω Wikimedia Commons Ο Ναπολέων απεικονίζεται σε φρενήρη κατάσταση με τον Pitt να είναι ήσυχος και οι διαφορές τους στο φυσικό μέγεθος παίζονται επίσης. Σημειώστε τα σκεύη των ηγεμόνων και πώς ο Ναπολέων χρησιμοποιεί ένα ξίφος στρατού, το οποίο έχει σκοπό να συμβολίσει μια επιθετική μιλιταριστική προσέγγιση. Αυτό αντιμετωπίζεται από το τρίπτυχο πιρούνι του Pitt, το οποίο είναι σύμβολο της δύναμης της Βρετανίας στις θάλασσες. Το ίδιο και τα ντυσίματα και τα ρέγκαλι τους είναι πολύ σημαντικά για την εύκολη αναγνώριση αυτών των χαρακτήρων και της σχέσης μεταξύ τους. ΟGillray συνέθεσε αυτό το σχέδιο για να σχολιάσει σατιρικά τις προσπάθειες του Ναπολέοντα να σφυρηλατήσει την ειρήνη με τη Βρετανία κατά τη διάρκεια του Πολέμου του Τρίτου Συνασπισμού, οι οποίες θεωρήθηκαν ανειλικρινείς. Η αρχική λεζάντα του καρτούν προειδοποιεί ότι η υδρόγειος δεν είναι αρκετά μεγάλη για τις ορέξεις εξουσίας αυτών των κυβερνώντων. Η Τρίτη Μαΐου 1808 (1814) του Francisco Goya Ο Francisco Goya απαιτεί λίγη εισαγωγή και η τέχνη του ήταν σχεδόν πάντα πολιτική. Σε μια αντίστροφη πορεία σταδιοδρομίας προς τον Jacques Louis-David, ο Goya ξεκίνησε την καριέρα του ως ζωγράφος της βασιλικής αυλής, αλλά αργότερα βούτηξε σε μια πιο προσωπική περίοδο που είναι τόσο πολιτική όσο και συγκινητική. Από τότε που έπεσε κωφός το 1793, το έργο του Goya άρχισε να αποκτά πιο σκοτεινά και στοχαστικά θέματα, καθώς άρχισε να στοχάζεται την κοινωνία μέσα στα δικά του σωματικά και ψυχικά βάσανα. Αυτή η αλλαγή στον τόνο πυροδοτήθηκε όταν η Ισπανία εισέβαλε από τη Γαλλία το 1808. Ο Goya παρέμεινε ζωγράφος της αυλής και του ανατέθηκε να παράγει έργα για Γάλλους κυβερνώντες, αλλά παρέμεινε ουδέτερος σε όλη αυτή την περίοδο. Κρυφά, ο Goya εργάστηκε σε μια συλλογή πολιτικών έργων τέχνης εμπνευσμένων από τις εμπειρίες του κατά τη διάρκεια αυτής της περιόδου. Αυτά τα έργα δημοσιεύτηκαν μόνο 35 χρόνια μετά τον θάνατο του Goya το 1863. Παράλληλα με τη σειρά χαρακτικών "Οι Καταστροφές του Πολέμου", ο Goya δημιούργησε ένα ζευγάρι συνοδευτικά πολιτικά έργα ζωγραφικής, το Δεύτερο Μαΐου 1808 και το Τρίτο Μαΐου 1808 το 1814. Αυτοί οι πίνακες εμπνεύστηκαν από την Εξέγερση της 2ης Μάη, όπου φτωχοί Ισπανοί πολίτες διεξήγαγαν μια αυθόρμητη εξέγερση κατά του Γαλλικού στρατού στη Μαδρίτη. Ο στρατός κατέστειλε βάναυσα αυτή την εξέγερση και εκατοντάδες Ισπανικές ζωές χάθηκαν. Ο πρώτος πίνακας απεικονίζει την εξέγερση σε κίνηση, ενώ ο δεύτερος παρακολουθεί τις πολυάριθμες εκτελέσεις που την ακολούθησαν. Η δέσμευση του Goya στην καλλιτεχνική ουδετερότητα και τον ρεαλισμό παραμένει σαφής, και παρέχοντας σε αυτές τις σκηνές βίας τόσο συγκινητικό σκοτάδι και ένταση, οι ιστορικοί προτείνουν ότι αυτά τα έργα ήταν πολιτικές δηλώσεις ενάντια σε μια τέτοια απρόβλεπτη βία. Στον πρώτο πίνακα, ο Goya απεικονίζει τους επαναστατημένους Μαδριλένους ως ήρωες που στέκονται ενάντια σε έναν επαγγελματικό στρατό – μαχαίρια ενάντια σε όπλα.  Η Τρίτη Μαΐου 1808 (1814) του Φρανσίσκο Γκόγια. Francisco de Goya , Δημόσιος τομέας, μέσω Wikimedia Commons Η Τρίτη Μαΐου 1808 συγκαταλέγεται συχνά στους πρώτους σύγχρονους πίνακες στην ιστορία της τέχνης. Σε ρήξη με όλες τις προηγούμενες συμβάσεις σχετικά με το πώς πρέπει να απεικονίζονται οι σκηνές πολέμου και θανάτου, αυτό το κομμάτι ήταν επαναστατικό για την τέχνη στο σύνολό της. Η αντιμετώπιση του φωτός από τον Γκόγια σε αυτή τη σκηνή έχει ιδιαίτερη σημασία. Το φανάρι δεν ρίχνει μόνο ένα δραματικό φως και χρώμα στην κύρια φιγούρα της σκηνής, τον εργάτη που διαμαρτύρεται για την αθωότητά του πριν από την εκτέλεση, παρουσιάζει επίσης τη γαλλική ομάδα σκοποβολής ως μια μορφοποιημένη μονάδα, χρησιμεύοντας έτσι ως ένα απαλό σύνορο μεταξύ καλού και κακού. Ο ανήσυχος θεατής που περιμένει στην ουρά χρησιμεύει για να καθοδηγήσει το βλέμμα του θεατή στις δύο γραμμές στρατιωτών και θυμάτων. Man at the Crossroads (1933) του Diego Rivera Ο Diego Rivera ήταν ένας επαναστάτης Μεξικανός ζωγράφος του οποίου η επίδραση παραμένει διαδεδομένη σήμερα. Η καριέρα του ως καλλιτέχνη τον οδήγησε σε όλο τον κόσμο, από την πατρίδα του στη Γαλλία και αργότερα στις Ηνωμένες Πολιτείες. Τα έργα του ήταν γνωστά για τη φορτισμένη πολιτική τους δέσμευση, τη φιλοσοφική συνείδηση και τις περίπλοκες λεπτομέρειες. Ήταν παντρεμένος με τη Φρίντα Κάλο για κάποιο διάστημα, η οποία παρήγαγε μια σειρά πολιτικών έργων από μόνη της, συγκεντρώνοντας τη μεξικανική πολιτιστική κληρονομιά και τον παραγκωνισμό των γυναικών στην τέχνη. Ένα τέτοιο έργο είναι το Moses (1945). Ο Rivera ήθελε να απεικονίσει τις πολιτικές και φιλοσοφικές του σκέψεις σε καμβάδες και τοιχογραφίες. Εμπνεύστηκε από την ιστορία και τον αγώνα τόσο των δικών του ανθρώπων όσο και άλλων ομάδων σε όλο τον κόσμο, όπως αποδεικνύεται από πολιτικά έργα τέχνης όπως The History of Mexico (1935) και Detroit Industry Murals (1933). Το Man at the Crossroads είχε αρχικά παραγγελθεί για το φουαγιέ του κεντρικού κτηρίου του Rockefeller Center το 1932. Ο Rivera ήταν σε αυτό το σημείο ένας από τους πιο διάσημους ζωγράφους στον κόσμο, πόσο μάλλον ένας από τους πιο διάσημους πολιτικούς καλλιτέχνες. Σε αυτό που αναγγέλλεται ως ένα από τα μεγαλύτερα έργα πολιτικών έργων τέχνης του 20ου αιώνα, το Man at the Crossroads ήταν ένα κομμάτι στο οποίο ο Rivera επέτρεψε στις πιο δυνατές απόψεις του να ανθίσουν. Ο πίνακας ήταν μια τοιχογραφία 5 επί 11 μέτρων χωρισμένη σε τρία πάνελ, καθένα από τα οποία αντιπροσώπευε διαφορετικά στάδια της εξελισσόμενης προόδου της ανθρωπότητας μέσα στην ιστορία. Το αριστερό πάνελ αφορούσε την ανάπτυξη της ηθικής και της επιστήμης, με το αντίθετο να απεικονίζει την ανάπτυξη της οικονομίας και της ισότητας. Το κεντρικό πάνελ ένωσε την τοιχογραφία απεικονίζοντας έναν εργάτη να ελέγχει αυτή την εξέλιξη με μια περίπλοκη μηχανή, κάτω από μια ακμάζουσα φύση από την οποία αναδύεται όλη η ζωή.  Man at the Crossroads (1933) του Ντιέγκο Ριβέρα. Ζωγραφική: Ντιέγκο Ριβέρα; φωτογραφία: Éclusette , CC BY 3.0 , μέσω Wikimedia Commons Πώς ήταν όμως και ο πίνακας πολιτικός ηθοποιός; Σε αυτό που έγινε γνωστό ως «Battle of Rockefeller Center», το κομμάτι πυροδότησε μια σύγκρουση μεταξύ καλλιτεχνών και οίκων τέχνης σε όλο τον κόσμο μετά την απόρριψή του. Το κομμάτι θαυμάστηκε από τους Ροκφέλερ, αλλά το θέμα βρισκόταν στην αναπαράσταση του Βλαντιμίρ Λένιν στην κάτω δεξιά ενότητα. Αυτή ήταν μια εποχή αντιριζοσπαστικού σκεπτικισμού στις Ηνωμένες Πολιτείες και ο κομμουνιστικός συμβολισμός είχε ελάχιστη θέση στη λογοκριμένη καλλιτεχνική σκηνή της εποχής. Ο Rivera αρνήθηκε να αφαιρέσει τον Σοβιετικό ηγέτη από τον πίνακα, αλλά προσφέρθηκε να ξαναβάψει το έργο σε οποιοδήποτε άλλο κτίριο. Χωρίς αποτέλεσμα, αυτός ο θησαυρός της διάσημης πολιτικής τέχνης καταστράφηκε έτσι απρόσεκτα καθώς ο τοίχος του φουαγιέ επιστρώθηκε. Καλλιτέχνες σε όλο τον κόσμο επέκριναν την απόφαση και διαμαρτυρήθηκαν, ριζικά μεταβαλλόμενα πρότυπα καλλιτεχνικής ελευθερίας στον κόσμο της τέχνης. Σήμερα, είναι απίθανο η τοιχογραφία να είχε καταστραφεί με τον τρόπο που καταστράφηκε. Υπάρχει μια αναπαράσταση στο Μεξικό στο Palacio de Bellas Artes, αλλά το πρωτότυπο έργο τέχνης παραμένει χαμένο στο χρόνο, ζώντας μόνο από μερικές φωτογραφίες που τραβήχτηκαν πριν από την καταστροφή του. Guernica (1937) του Πάμπλο Πικάσο Αν και συχνά εκτιμάται περισσότερο για την δεξιοτεχνία και τις μοναδικές καλλιτεχνικές του συνεισφορές, οι πολιτικοί πίνακες του έργου του Πάμπλο Πικάσο δεν πρέπει να παραβλεφθούν. Τα πολιτικά νήματα που διέτρεχαν τα έργα του ήταν λεπτά και περίπλοκα, αλλά παρόλα αυτά συγκινητικά. Ο Πικάσο δημιούργησε μια σειρά από πολιτικούς πίνακες σε όλη τη διάρκεια της καριέρας του, ο πιο φανερός από τους οποίους ήρθε μετά τις εμπειρίες του στον Ισπανικό Εμφύλιο Πόλεμο. Αρχικά κινητοποίησε την πολιτική προπαγάνδα στην τέχνη για τους Ρεπουμπλικάνους στον πόλεμο, με το The Dream and Lie of Franco (1937) να είναι ένα αξιοσημείωτο παράδειγμα. Στη συνέχεια, η πολιτική του τέχνη πήρε πιο προσωπικές εμπνεύσεις, επιτρέποντας στην απεριόριστη δημιουργικότητά του να τυλίξει και αυτό το είδος. Υπάρχουν τρεις κύριοι αντιπολεμικοί πίνακες ζωγραφικής παραγωγής του Πικάσο: Guernica (1937), The Charnel House(1945), και Massacre in Korea (1951). Με το καθένα, ο Πικάσο πρόσφερε ασύγκριτες καλλιτεχνικές ερμηνείες μερικών από τα σημαντικότερα πολιτικά γεγονότα του 20ού αιώνα. Η Γκουέρνικα θεωρείται ιστορικά ως ένας εξαιρετικά σημαντικός αντιπολεμικός πίνακας. Όπως ο Γκόγια, ο Πικάσο προσπάθησε να ασκήσει κριτική στον πόλεμο, εφιστώντας την προσοχή στα βάσανα και τη θηριωδία που φέρνει μαζί του. Ο πίνακας δημιουργήθηκε ως απάντηση στον βομβαρδισμό της πόλης Γκουέρνικα από τις φασιστικές δυνάμεις το 1937. Η πόλη Γκουέρνικα στέγαζε κυρίως γυναίκες και παιδιά καθώς οι περισσότεροι άνδρες έλειπαν πολεμώντας. Τα γεγονότα πλήγωσαν τον Πικάσο με περισσότερους από έναν τρόπους, όχι μόνο ως υποστηρικτής των Ρεπουμπλικανών αλλά ως καλλιτέχνη που πάντα θεωρούσε τις γυναίκες και τα παιδιά ως τις τέλειες μορφές της ανθρωπότητας. Οι χαρακτήρες στην Γκερνίκα αντικατοπτρίζουν αυτά τα γεγονότα καθώς οι γυναίκες θρηνούν με φόβο ή λύπη, με μια να κρατά το νεκρό παιδί της στην αγκαλιά της. Ο πίνακας θεωρείται ως η ναυαρχίδα του κυβισμού του Πικάσο, χρησιμοποιώντας σπασμένα γεωμετρικά σχήματα που επανασυναρμολογούνται σε αφηρημένες ρυθμίσεις.  Guernica Tiled Reproduction Mural in Gernika (2018); Jules Verne Times Two / www.julesvernex2.com , CC BY-SA 4.0 , μέσω Wikimedia Commons Η σκηνή τοποθετείται σε ένα σκοτεινό δωμάτιο, με μια άλλη πόρτα στα δεξιά του δωματίου να οδηγεί περαιτέρω στο σκοτάδι. Η προσεκτική χρήση της σκίασης και του χρώματος από τον Πικάσο σε μαύρο, γκρι και λευκό μεταδίδει έναν πένθιμο τόνο. Ένα άλογο υποφέρει πάνω από έναν πεσμένο στρατιώτη, θυμίζοντας στον θεατή το κύριο θέμα του πίνακα, που είναι ο πόλεμος και όλη η αγωνία του. Ένας ταύρος στα αριστερά του πίνακα, του οποίου η ουρά έχει χειραγωγηθεί ώστε να μοιάζει με καπνό, έχει πυροδοτήσει αμέτρητες θεωρίες για τον επιδιωκόμενο συμβολισμό του Πικάσο, αν και ο ίδιος ο καλλιτέχνης δεν αποκάλυψε ποτέ τις άμεσες προθέσεις του για τη φιγούρα. Υπάρχει όμως και ελπίδα, αλλά μόνο στην υπέρβαση της βίας του πολέμου. Για παράδειγμα, ένα λουλούδι μεγαλώνει από το ξίφος του πεσμένου στρατιώτη και ένα περιστέρι φαίνεται μέσα από μια ρωγμή στον τοίχο, σε έναν φωτεινό και ειρηνικό κόσμο έξω από το σκοτεινό δωμάτιο του πολέμου. Ένα φανταστικό κεφάλι και ένα χέρι γυναίκας που επιπλέει από πάνω μεταφέρει μια δάδα ειρήνης σε όλη τη σκηνή, φέρνοντας φως μαζί της. Ο τεράστιος πίνακας παρουσιάστηκε αργότερα σε όλη την Ευρώπη, συγκεντρώνοντας χρήματα και φέρνοντας την προσοχή στον Ισπανικό Εμφύλιο Πόλεμο. Με πολλούς τρόπους λοιπόν, Η Γκερνίκα είναι ένα πρώιμο παράδειγμα ακτιβιστικής τέχνης. The Migration Series (1941) του Jacob Lawrence Ο Jacob Lawrence ήταν ένας εξέχων Αμερικανός ζωγράφος του οποίου οι πρωτοποριακές ερμηνείες της αφροαμερικανικής εμπειρίας στις αρχές του 1900 έχουν αφήσει απροσδιόριστο αντίκτυπο στην πολιτικά δεσμευμένη τέχνη. Ο Lawrence μεγάλωσε στο Χάρλεμ αφού μετακόμισε από το Νιου Τζέρσεϊ στα 13 του. Παρακολουθώντας μαθήματα τέχνης σε όλη τη νεότητά του, γοητεύτηκε από τους πολυάσχολους και διαφορετικούς χρωματικούς συνδυασμούς του περιβάλλοντός του. Παρόλο που παράτησε το σχολείο στα 16 του, το πάθος του για την τέχνη δεν είδε καμία διακοπή. Μέχρι το 1937 σπούδαζε κάτω από μερικούς από τους ηγέτες της Αναγέννησης του Χάρλεμ, στο δρόμο του προς τη δική του επιτυχία. Ο Lawrence ταλαντεύτηκε ελάχιστα από το κύριο θέμα της επιλογής του ως καλλιτέχνη, δηλαδή την κοινωνική ζωή του Χάρλεμ και των Αφροαμερικανών συνολικά, που βίωναν σημαντικούς αγώνες σε αυτό το σημείο του 20ού αιώνα. Ο Lawrence είδε μια πρωταρχική μούσα στη Μεγάλη Μετανάστευση, η οποία είδε πάνω από 6 εκατομμύρια Αφροαμερικανούς να μετακινούνται προς τα βόρεια από το νότο στις αρχές του 1900. Σε ηλικία μόλις 23 ετών, δημιούργησε ένα έργο τέχνης 60 πλαισίων που απεικονίζει τις κοινωνικές και πολιτιστικές αλλαγές που έφερε μαζί της η μετανάστευση. Ο Lawrence μεγάλωσε γύρω από ανθρώπους που ήταν μέρος της Μεγάλης Μετανάστευσης και έτσι είχε μια στενή αντίληψη των κοινωνικών πτυχών που εμπλέκονταν. Ο Lawrence παρήγαγε το The Migration Series με το ίδιο στυλ που του είχε ήδη τραβήξει την προσοχή ως ανερχόμενο καλλιτέχνη – αυτό που ονόμασε «δυναμικός κυβισμός». Αυτός ο κυβισμός εμπνεύστηκε από τα πλούσια χρώματα του Χάρλεμ, ξεφεύγοντας από τον κλασικό κυβισμό στη χρήση μοτίβων, φωτεινότητας και ευκρινέστερων σχημάτων. Χρησιμοποιώντας την τέμπερα ως μέσο, ο Lawrence σχεδίασε και ζωγράφισε όλα τα πάνελ ταυτόχρονα, έτσι ώστε να διατηρήσει τη χρωματική συνέπεια σε όλο το έργο τέχνης. Το έργο του ενέπνευσε άλλα πολεμικά έργα τέχνης σχετικά με τους κοινωνικούς αγώνες των Αφροαμερικανών, όπως το The Problem We All Live With (1964) του Norman Rockwell. Ακουαρέλα του Terezin (1944) του Petr Kien Ο Δεύτερος Παγκόσμιος Πόλεμος επέβλεψε αμέτρητα έργα διάσημης πολιτικής τέχνης, μερικά που παρήχθησαν ως μέρος της πολεμικής προσπάθειας, άλλα σε έντονες κριτικές για τον ίδιο τον πόλεμο. Ένας από τους πιο συγκινητικούς πολιτικούς πίνακες αυτής της περιόδου, ωστόσο, τόσο για τη σύνθεσή του όσο και για το πλαίσιο στο οποίο δημιουργήθηκε, είναι η Ακουαρέλα του Τερεζίν του Petr Kien.. Είναι ένα από τα πολλά έργα που παρήγαγε ο Kien πριν από τον πρόωρο θάνατό του στα 25 του. Ο Kien ήταν ένας ταλαντούχος Εβραίος καλλιτέχνης από την Τσεχοσλοβακία που δημιούργησε χιλιάδες πίνακες, ποιήματα, όπερες, θεατρικά έργα και σχέδια στη σύντομη καριέρα του. Είχε αυξηθεί σε δημοτικότητα στην Ακαδημία Καλών Τεχνών της Πράγας πριν από τον Δεύτερο Παγκόσμιο Πόλεμο. Αλλά το 1939 μετά την επιβολή των νόμων της Νυρεμβέργης των Ναζί, ο Kien και η οικογένειά του απελάθηκαν στο γκέτο Terezin. Ο Terezin χρησίμευσε ως το μέσον του δρόμου για τους καθιερωμένους Εβραίους πριν σταλούν σε στρατόπεδα συγκέντρωσης σε όλη την Ευρώπη, αλλά απεικόνιζε κρυφά από τους Ναζί ως ελεύθερος εβραϊκός οικισμός. Μαζί με τον Kien, ένας αριθμός επιφανών Εβραίων καλλιτεχνών φυλακίστηκε στο γκέτο με το οποίο συνεργάστηκε. Ο Kien διορίστηκε ως επικεφαλής τεχνικός στο γκέτο, αλλά σχεδόν κατά την άφιξή του άρχισε να σκιαγραφεί τις σκηνές του πόνου που κυκλοφορούσαν γύρω του, δουλεύοντας με κλεμμένα υλικά. Η ακουαρέλα του Terezin είναι μια από τις πολλές νεκρές φύσεις που δημιούργησε και απεικονίζει το γκέτο. Σε αυτό, αφήνει χώρο για ελπίδα μπροστά στο κακό, χρησιμοποιώντας το δυναμικό και ρέον χρώμα. Αυτό βρισκόταν σε πλήρη αντίθεση με την ποίηση που παρήγαγε εκείνη την εποχή, η οποία ήταν πολύ πιο σκοτεινή. Ακουαρέλα του Terezin και τα παρόμοια έργα του Kien από το γκέτο δεν ήταν απλώς πολιτικά λόγω του περιεχομένου τους, αλλά λόγω του κοινωνικού αντίκτυπου που είχαν. Αυτά τα έργα τέχνης ήταν ζωτικής σημασίας για την έκθεση της βαρβαρότητας του Terezin στον υπόλοιπο κόσμο μετά τον πόλεμο και συνέβαλαν άμεσα στην παροχή μιας ακριβούς ιστορικής καταγραφής του Ολοκαυτώματος. Ο Kien δυστυχώς δεν θα δει ποτέ τη μεγάλη απήχησή του, καθώς την ίδια χρονιά που παρήγαγε αυτό το έργο μεταφέρθηκε στο Άουσβιτς και πέθανε στη συνέχεια.  A Portrait of the Artist Bedrich Fritta (1942) του Peter Kien; Peter Kien , Δημόσιος τομέας, μέσω Wikimedia Commons Κάποιοι λένε ότι στάλθηκε στον θάνατο αφού οι Ναζί ανακάλυψαν μερικά από τα έργα του, ιδιαίτερα την κριτική όπερα Αυτοκράτορας της Ατλαντίδας (1943) που έγραψε με τον Βίκτορ Ούλμαν. Άλλες πηγές αναφέρουν ότι οι Ναζί αξιωματικοί του έσπασαν το χέρι πριν την απέλασή του στο Άουσβιτς – προφανώς, τόσο ο ίδιος όσο και η τέχνη του αποτελούσαν πολιτική απειλή. Δεν έχουμε καμία αμφιβολία ότι ο Kien θα ήταν στην ευχάριστη θέση να μάθει ότι τα έργα του έκαναν πολλά για να αποκαλύψουν τις φρικαλεότητες του Ολοκαυτώματος, αφήνοντας το στίγμα του στην ιστορία. The Dinner Party (1979) της Judy Chicago Η Judy Chicago ήταν μια πολιτική καλλιτέχνης με μεγάλη επιρροή στην πρώτη γραμμή του πρώιμου φεμινιστικού κινήματος. Ενώ ήταν στο πανεπιστήμιο, προσπάθησε να δημιουργήσει έργα τέχνης που απεικόνιζαν σεξουαλικά όργανα και φεμινιστικά ιδανικά, αλλά καταπιέστηκε από τους καθηγητές της για τον ριζοσπαστισμό της. Ως αποτέλεσμα της καλλιτεχνικής της ανάπτυξης και του θανάτου τόσο του συζύγου όσο και του πατέρα της, άλλαξε το επίθετό της από Cohen σε Chicago για να γυρίσει ένα νέο ανεξάρτητο κεφάλαιο στη ζωή της. Κατά τη διάρκεια της δεκαετίας του 1970, η Judy Chicago καθιερώθηκε ανάμεσα στις καλύτερες φεμινίστριες καλλιτέχνες του κόσμου. Εκείνη την περίοδο έγινε και λέκτορας, δίνοντας μαθήματα φεμινιστικής τέχνης στην επόμενη καλλιτεχνική γενιά. Μετά την επιτυχία της με το Womanhouse (1972), μια συμμετοχική έκθεση πολιτικής τέχνης με επίκεντρο την ενδυνάμωση των γυναικών, η Chicago συγκλόνισε τον κόσμο της τέχνης με το μεγάλο έργο της "Dinner Party (1979)". Στο "Dinner Party" δημιουργεί ένα τεράστιο τριγωνικό τραπέζι δείπνου με ένα ρηχό σώμα νερού που περικλείεται από αυτό. Στον πάγκο, 39 τοποθετήσεις καθισμάτων είναι προσεκτικά διατεταγμένες για 39 γυναίκες που αναγνωρίστηκαν από τη Chicago ότι επηρέασαν την ανθρώπινη ιστορία, είτε είναι ζωντανές, είτε νεκρές, είτε ακόμα και μυθικές. Κάθε πιάτο είναι σμιλεμένο μοναδικά σε σχήματα αντιπροσωπευτικά ενός αιδοίου. Αυτή η ομάδα περιλαμβάνει αρχαίες θεές, σημαντικές θρησκευτικές προσωπικότητες, καλλιτέχνες, συγγραφείς, επιστήμονες και γυναίκες ακτιβίστριες. Μερικοί αξιόλογοι παρευρισκόμενοι στο δείπνο είναι η Georgia O'Keefe, η Sacajawea, η Susan B. Anthony, η Hildegarde von Bingen, η Sappho και η Hatshepsut. Κάτω από το τραπέζι του δείπνου βρίσκεται ένα δάπεδο από πορσελάνινα πλακάκια με χαραγμένα τα ονόματα άλλων 998 γυναικών με μεγάλη επιρροή στην ιστορία. Κατά λάθος συμπεριλήφθηκε ένας άνδρας, ο αρχαίος Έλληνας γλύπτης Κρέσιλας, ο οποίος την εποχή εκείνη θεωρήθηκε ιστορικά ότι ήταν γυναίκα. Η Chicago πήρε στοιχεία τόσο από τη δική της φεμινιστική τέχνη όσο και από τα έργα τέχνης του παρελθόντος. Για παράδειγμα, η επιλογή ενός τριγώνου είναι ένα φεμινιστικό σύμβολο για την ισότητα, ενώ τμηματοποιώντας τα τραπεζοκαθίσματα σε ομάδες των 13, η Chicago παραπέμπει στον Μυστικό Δείπνο, στον οποίο δεν υπήρχαν γυναίκες. The Dinner Party (1979) της Judy Chicago. Bee1120 , CC BY-SA 4.0 , μέσω Wikimedia Commons Χρειάστηκαν πάνω από 6 χρόνια και 400 άτομα για την παραγωγή αυτού του αριστουργήματος, αν και τα πρώτα 3 χρόνια, η Chicago δούλευε μόνο στο έργο. Τα πιάτα του δείπνου αυξάνουν σταδιακά σε κλίση μεταξύ των καθισμάτων 1 και 39, λειτουργώντας ως σύμβολο για τα σταδιακά κέρδη που έχουν κάνει οι γυναίκες προς την ισότητα και την ανεξαρτησία σε όλη την ιστορία. Το κομμάτι χρησίμευσε ως κριτική στον κοινό αποκλεισμό των γυναικών από το mainstream ιστορικό αρχείο. Η Chicago υπολόγισε την τέχνη της ως πολιτική δήλωση, αναδεικνύοντας τις γυναίκες που άλλαξαν την ιστορία, προβάλλοντας έναν πολιτικό ισχυρισμό για το πώς πρέπει να κατανοήσουμε την ιστορία και ποιοι πρέπει να συμπεριληφθούν σε αυτήν. Η Chicago άνοιξε το δρόμο για τις φεμινίστριες καλλιτέχνες τόσο στην εποχή της όσο και σε αυτούς μετά. Για παράδειγμα, τα Guerilla Girls ακολούθησαν τα βήματά της ως μια ομάδα ανώνυμων φεμινιστών καλλιτεχνών που φέρνουν την προσοχή στον σεξισμό που έχει τις ρίζες του στον κόσμο της τέχνης και εξακολουθούν να δραστηριοποιούνται σήμερα. Η ερώτησή τους με αφίσα από το 1989 παραμένει επίκαιρη: «Πρέπει οι γυναίκες να είναι γυμνές για να μπουν στο Met;" Κορίτσι με μπαλόνι (2002) του Banksy Μπορούμε να σκεφτούμε τον Bansky και ως πολιτικό καλλιτέχνη και ως πολιτικό ακτιβιστή. Αλλά μπορεί να είναι έξυπνο να μην πούμε καθόλου πολλά για τον Banksy, καθώς γνωρίζουμε πολύ λίγα για αυτόν εξαρχής. Ένας από τους κύριους ισχυρισμούς του για φήμη είναι η μυστικότητα και η ανωνυμία του ως καλλιτέχνη. Οι περισσότεροι άνθρωποι ακόμα δεν γνωρίζουν ποιος είναι ο Banksy, πόσο μάλλον το πραγματικό του όνομα. Ανεξάρτητα από το κοινωνικό του θέμα, η τέχνη του ξεχωρίζει μεταξύ των πιο σημαντικών, τόσο του παρελθόντος όσο και του παρόντος. Ο Banksy είναι γνωστός για τη διάσημη πολιτική του τέχνη, κυρίως εντυπωσιακά και μερικές φορές χιουμοριστικά γκράφιτι με στένσιλ που βρίσκονται σε όλο τον κόσμο. Όλα τα έργα του είναι τέχνη που ασχολείται με την πολιτική, παρέχοντας στους θεατές ευκαιρίες για προσωπικό προβληματισμό. Τα θέματά του περιλαμβάνουν μεταξύ άλλων τον πόλεμο, την ανισότητα, τον καταναλωτισμό, τον αυταρχισμό και την απληστία. Είναι δύσκολο να απομονώσεις κάποιον από τους πίνακες του Banksy ως τον πιο επιδραστικό του, γιατί το ρεπερτόριό του εκτείνεται σε χιλιάδες. Ωστόσο, τα δύο έργα ξεχωρίζουν ως άμεσα πολιτικά, είτε για το περιεχόμενό τους είτε για τον τρόπο που ο Banksy έχει εμπλακεί με την τέχνη και την κοινωνία μέσω αυτών. Το Rage, The Flower Thrower (2005) παρήχθη από τον Banksy στα ταξίδια του στη κατεστραμμένη από τον πόλεμο Δυτική Όχθη, με διάτρητο το τείχος μήκους 760 χιλιομέτρων που χωρίζει το Ισραήλ και την Παλαιστίνη. Στον πίνακα, ένας Παλαιστίνιος διαδηλωτής απεικονίζεται να ρίχνει ένα βλήμα που αντικαταστάθηκε από ένα μπουκέτο λουλούδια. Αυτό είναι ένα ξεκάθαρο παράδειγμα των συναισθημάτων του Banksy για τον πόλεμο και των ονείρων του για ειρήνη. Ένα άλλο από τα πιο αναγνωρίσιμα πολιτικά έργα τέχνης του Banksy είναι το Girl with Balloon (2002), που δημιουργήθηκε αρχικά σε διάφορες τοποθεσίες σε όλο το Λονδίνο το 2002. Το έργο απεικονίζει ένα νεαρό κορίτσι με ένα μπαλόνι, και ο Banksy αφήνει στον θεατή να καθορίσει εάν το κορίτσι απλώνει το χέρι του για το μπαλόνι ή μόλις έχει χάσει την αντίληψή του. Το μπαλόνι παίρνει σχήμα καρδιάς και είναι το μόνο μέρος της εικόνας που έχει χρώμα, που προορίζεται να συμβολίσει την ελπίδα. Ο Banksy παίζει με τις έννοιες της αθωότητας για να προκαλέσει συναισθήματα αισιοδοξίας και ελπίδας στον κόσμο με μια παιδική απλότητα.  Girl with Balloon (2002) του Banksy; Dominic Robinson από Bristol, UK , CC BY-SA 2.0 , μέσω Wikimedia Commons Από την αρχική του εμφάνιση, ο Banksy έχει δημιουργήσει πολλαπλές αναπαραστάσεις του κομματιού για να φιλοξενήσει διαφορετικές πολιτικές ατζέντες, όπως η συγκέντρωση κεφαλαίων για τα θύματα του συριακού πολέμου και η έκφραση των απόψεών του κατά του Brexit. Πήρε την πολιτική ζωή αυτού του έργου τέχνης ακόμη παραπέρα σε μια δημοπρασία στον οίκο Sotheby's του Λονδίνου το 2018. Αφού ένα αντίγραφο του κομματιού είχε μόλις πουληθεί για πάνω από ένα εκατομμύριο δολάρια, ένας τεμαχιστής χαρτιού που είχε ενσωματωθεί κρυφά στο πλαίσιο από τον Banksy τεμάχισε το έργο, αποτελεσματικά καταστρέφοντάς το. Ο μηχανισμός απέτυχε να ολοκληρώσει τη διαδικασία, τεμαχίζοντας την εργασία μέχρι το μισό της διαδρομής και αφήνοντας μόνο το μπαλόνι σε σχήμα καρδιάς στο πλαίσιο. Στη συνέχεια, αυτό έγινε ένα δικό του έργο τέχνης και παραμένει το μοναδικό έργο τέχνης που παράγεται κατά τη διάρκεια μιας ζωντανής δημοπρασίας. Το 2021 πουλήθηκε για 25 εκατομμύρια δολάρια. Sunflower Seeds (2010) του Ai Weiwei Ο Ai Weiwei είναι ένας παραγωγικός Κινέζος καλλιτέχνης και πολιτικός ακτιβιστής γνωστός για τη δημιουργική και διάσημη πολιτική του τέχνη. Μετά από μια δύσκολη παιδική ηλικία κάτω από συνθήκες πολιτικής καταστολής, ο Weiwei ξεκίνησε την καλλιτεχνική του καριέρα στον κινηματογράφο πριν μετακομίσει στις Ηνωμένες Πολιτείες και σταδιακά διακυβεύσει την αξίωσή του ως ταλαντούχος πολυμέσας καλλιτέχνης. Έκτοτε έχει δημιουργήσει μια πληθώρα έργων τέχνης κοινωνικών θεμάτων, που περιλαμβάνει ντοκιμαντέρ και μουσική, έως εικαστική τέχνη και αρχιτεκτονική. Ο Weiwei δεν επιφυλάχθηκε ποτέ για τις πολιτικές του απόψεις και διοχέτευσε την κριτική του στην κινεζική κυβέρνηση χρησιμοποιώντας την τέχνη του ως πολιτική δήλωση. Αυτό είναι εμπνευσμένο από τις εμπειρίες του με τις δυσκολίες που μεγάλωσε στη χώρα και την έμφαση που έδωσε στην ατομικότητα, τη δημοκρατία και τα ανθρώπινα δικαιώματα. Το Sunflower Seeds (2010) είναι ένα εννοιολογικό έργο τέχνης εγκατάστασης που εκτέθηκε για πρώτη φορά στην γκαλερί τέχνης Tate Modern στις αρχές της δεκαετίας του 2010. Το έργο τέχνης αποτελείται από εκατό εκατομμύρια μικρά γλυπτά από πορσελάνη, προσεκτικά σχεδιασμένα ώστε να μοιάζουν με ηλιόσπορους. Αυτό το ασύγκριτο χειροποίητο έργο τέχνης απαιτούσε την ικανότητα περισσότερων από 1600 καλλιτεχνών που εργάζονταν μαζί για δύο χρόνια στην πόλη Jingdezhen, την πατρίδα της χειροτεχνίας πορσελάνης στην Κίνα. Το κοινό μπορούσε αρχικά να αλληλεπιδράσει με τους σπόρους αγγίζοντας και περπατώντας πάνω τους μέχρι που οι φόβοι της αποσύνθεσής τους έκαναν το κομμάτι να αποκλειστεί.  Sunflower Seeds (2010) του Ai Weiwei; Анна Астахова , CC BY-SA 3.0 , μέσω Wikimedia Commons Υπάρχουν πολλές εμπνεύσεις πίσω από αυτό το διάσημο πολιτικό έργο τέχνης. Προσωπικά, ο Weiwei βλέπει τον ηλιόσπορο ως σύμβολο της ενότητας σε δύσκολες στιγμές, καθώς μοιράζονταν πάντα μεταξύ φίλων ενώ μεγάλωνε. Πολιτικά, το Sunflower Seeds είναι ένα σχόλιο για το μέγεθος της Κίνας και για το πώς το άτομο μπορεί να ξεχαστεί μέσα σε τεράστιες εκτάσεις συμμόρφωσης, όπως ακριβώς το πώς οι μεμονωμένοι σπόροι χάνονται εύκολα όταν βλέπει κανείς το έργο τέχνης πλήρως. Είναι επίσης μια κριτική της μαζικής καταναλωτικής κουλτούρας και προσπαθεί να φέρει νέες προοπτικές για το τι σημαίνει κάτι να είναι «Made in China». Η πολιτική τέχνη είναι ένα ιδιαίτερα σύνθετο και ποικίλο καλλιτεχνικό είδος. Σχετίζεται με τα διαφορετικά πλαίσια στα οποία έχει τις ρίζες του, από επαναστάσεις και πολέμους, μέχρι κοινωνικά κινήματα και αλλαγές στην έννοια της ίδιας της τέχνης. Η πολιτικά δεσμευμένη τέχνη μπορεί να εμφανιστεί σε πολλαπλές μορφές, αλλά οι κύριοι τύποι πολιτικής τέχνης μπορούν να κατανοηθούν ως απεικόνιση, προώθηση ή προβολή. Ο παραπάνω κατάλογος περιείχε μερικές από τις πιο διάσημες πολιτικές τέχνες στη σύγχρονη ιστορία, αλλά πολλές απομένουν να εξερευνηθούν καθώς τα πολιτικά έργα τέχνης συνεχίζουν να παράγονται καθημερινά. Αυτό το άρθρο δημοσιεύθηκε αρχικά στο artincontext.org/ |
Η σύγχρονη τέχνη στην ελλάδα και στο εξωτερικό, εικαστικά, γλυπτική, κατασκευές, καλλιτέχνες, γκαλερί, πολιτισμός |