 Εξετάζοντας τα έργα των δασκάλων από την Αναγέννηση έως το Μπαρόκ και τις διαδικασίες τους πίσω από τις τελικές δημιουργίες, μπορούμε να μάθουμε πολλά για το πώς έβλεπαν την ομορφιά και πώς ορισμένες πτυχές της δεν αλλάζουν. Ο σύγχρονος άνθρωπος είναι συνεχώς εκτεθειμένος στα κοινωνικά ιδανικά της ομορφιάς, ξεχνώντας συχνά ότι η ομορφιά είναι κάτι πραγματικό, που περιγράφεται καλύτερα ως τα αληθινά χρώματα κάποιου. Ένα προνόμιο που συχνά αποδεικνύεται μόνο σε μια μειονότητα αντί να εκτίθεται στα μέσα κοινωνικής δικτύωσης ή να εκτίθεται ως δημόσια εικόνα. Η ομορφιά και αυτό που ορίζεται ως όμορφο, ωστόσο, πάντα άλλαζε με την πάροδο του χρόνου και κάθε κοινωνικό περιβάλλον είχε τις δικές του έννοιες για το τι θεωρείται όμορφο. Δεδομένου ότι η τέχνη παίρνει τη ζωή και το αντίστροφο, κοιτάζοντας τις λαχταριστές και στοχαστικές δημιουργίες των παλιών δασκάλων, εστιάζοντας ιδιαίτερα στην Υψηλή Αναγέννηση, τον Μανιερισμό και το Μπαρόκ, μπορούμε να εμβαθύνουμε στο φάσμα των διαφορετικών επιπτώσεων που έχει ενσωματώσει η ομορφιά διαχρονικά.  Agnolo Bronzino , Eleanor of Toledo, Oil on Panel, περίπου 1545, 115 × 96 cm Ο Φλωρεντινός καλλιτέχνης Agnolo di Cosimo, γνωστός και ως Agnolo Bronzino, δραστηριοποιήθηκε στην κορυφαία πόλη της Τοσκάνης προς το τέλος της Υψηλής Αναγέννησης, σύγχρονος του Michelangelo, του οποίου το μεγαλείο σχεδόν επισκίασε το έργο του Bronzino. Ωστόσο, τα αποτελέσματα που πέτυχε εξακολουθούσαν να είναι περίφημα και τα πορτρέτα του ικανά να εντυπωσιάσουν με άμεσο, αλλά σχεδόν σουρεαλιστικό τρόπο, ενώ η θεατρικότητά τους δημιούργησε μια επίσημη γοητεία που εμφανιζόταν ως φαινομενικά αυτοανακλαστική, όπως στην περίπτωση του πορτρέτου της Lucrezia Panciatichi.  Agnolo Bronzino, Portrait of Lucrezia Panciatichi, Oil on Wood, περίπου 1540, 102 × 85 cm Η Lucrezia απεικονίζεται ως εύγλωττα καθισμένη και όμορφη στους τρόπους της. Είναι στολισμένη με πολλά κοσμήματα, που αντιπροσωπεύουν την έννοια της συζυγικής αγάπης. Φοράει ένα πολυτελές κολιέ που δηλώνει ότι η αγάπη διαρκεί αιώνια - Amour Dure Sans Fin - παραπέμποντας ξεκάθαρα στην αγάπη και την πίστη. Στο αριστερό της δαχτυλίδι, φέρει ένα επιχρυσωμένο δαχτυλίδι με μια φωλιασμένη σκούρα σμαραγδένια πέτρα, που θεωρείται συνώνυμο είτε του αρραβώνα είτε του γάμου στη δυτική κοινωνία. Στο δεξί της χέρι κρατά ένα βιβλίο, μια σειρά από προσευχές αφιερωμένες στην Παναγία. Εμφανίζεται υπέροχη και ακίνητη και η έλλειψη εικονιστικού φόντου τονίζει το μεγαλείο της. Με αυτόν τον τρόπο, ο Bronzino δημιουργεί μια βαθύτερη εμπλοκή με τον θεατή. Η Lucrezia κάθεται σε μια στατική θέση και η σημασία αυτού που θεωρείται όμορφο εκείνη τη στιγμή δίνεται από τον μακρύ λαιμό, τη χλωμή επιδερμίδα, σύμβολο αρχοντιάς και τα μακριά της δάχτυλα που ποζάρουν στο βιβλίο των γραφείων και στο μπράτσο της καρέκλας. Η ομορφιά της βρίσκει έκφραση και στις βελούδινες κουρτίνες των ρούχων της που ενισχύουν την αριστοκρατική της αξιοπρέπεια και την πολυτελή της κομψότητα. Όπως είναι χαρακτηριστικό του έργου του Bronzino, και αντανακλώντας τελικά τον κανόνα της σύγχρονης ομορφιάς, οι αποχρώσεις των κουρτινών της κυμαίνονται από ζεστό ροζ σατέν έως σκούρο βελούδο. Ο Bronzino κατάφερε με μαεστρία να μετατρέψει τη Lucrezia σε μια εκλεπτυσμένη και καλλιεργημένη γυναίκα που ανήκει στην κοινωνία της Φλωρεντίας και σε ένα εξιδανικευμένο σύμβολο της αγνής ομορφιάς και της ανυψωμένης πνευματικότητας. Αλλά η όραση της Lucrezia χάνεται στα μάτια του θεατή και η γοητεία της θριαμβεύει πάνω από τη θρησκευτικότητα που μεταδίδεται στις μικροσκοπικές λεπτομέρειες, καθώς ο Bronzino αποδίδει κάθε λάμψη φωτός στα φουσκωμένα μανίκια της, κάθε χρωματική απόχρωση στο κοστούμι της. Η έννοια της ομορφιάς σε αυτό το πορτρέτο είναι μια από τις αναρίθμητες στροφές. Η ιδέα της ομορφιάς του Bronzino παρουσιάζει, τη ζωή και την πραγματικότητα ως πηγή έμπνευσης, εξευγενίζοντας και τα δύο. Καθώς ο Bronzino έβγαινε στην καλλιτεχνική σκηνή και αποκτούσε αυξανόμενη δημοτικότητα, ο Raphael άφηνε τη ζωή του για να αποκτήσει πρόσβαση σε μια καλύτερη. Καθ 'όλη τη διάρκεια της αξιοσημείωτης ζωής του, ο καλλιτέχνης είχε μια πολύ διαφορετική ιδέα για την ομορφιά από τον Bronzino. Για την ομορφιά, είχε μια καθορισμένη κατανόηση. Επαναλαμβανόμενος σε ένα νεοπλατωνικό ιδεώδες του, σύμφωνα με το οποίο η ομορφιά αποτελείται από το ανθρώπινο και το θείο, ο ζωγράφος υπολόγισε ότι αφού το θείο δεν είναι προσιτό, η ομορφιά είναι συχνά το αποτέλεσμα μιας σειράς προσπαθειών να πλησιάσουμε την τελειότητα. Σε πολλές επιστολές που απευθύνονται στον Baldassare Castiglione, ο Raphael σημείωσε σχετικά με τη Γαλάτεια του ότι, για να ζωγραφίσει μια ομορφιά θα έπρεπε να δει πολλές.  Raffaello Sanzio , Triumph of Galatea, τοιχογραφία, περίπου 1513, 295 × 225 cm Οι νεοπλατωνικές ιδέες ζωντανεύουν μεταξύ των γραμμών, και πράγματι, ένα εξέχον χαρακτηριστικό που υπογράμμιζε τις σκέψεις του ήταν μια τεχνική του αρχαίου ζωγράφου Ζεύξη, ο οποίος ζωγράφισε την Αφροδίτη κοιτάζοντας όχι μια γυναίκα, αλλά πολλές, από καθεμία από τις οποίες επιλέχθηκε το τέλειο χαρακτηριστικό, χτίζοντας έτσι προς την τελική δημιουργία. Εμπνευσμένη από τον διάσημο στίχο από ένα ποίημα του Φλωρεντίνου καλλιτέχνη Angelo Poliziano, η αφήγηση περιγράφει πώς ο γίγαντας Πολύφημος ψάλλει στίχους αγάπης στη θαλάσσια νύμφη Γαλάτεια καθώς καβαλάει στο άρμα της, οδηγούμενη από δελφίνια, πέρα από τα κύματα. Ο Raphael απεικονίζει τη Γαλάτεια σε χαρούμενη συντροφιά της θαλάσσιας ζωής συγκεντρωμένη γύρω της σε ένα διακοσμητικό μοτίβο και ξεδιπλώνεται σε μια περίπλοκη διάταξη που κατοικούν στον καμβά, και η ομορφιά είναι βασικό στοιχείο. Κάθε σχήμα φαίνεται να αντιστοιχεί σε κάποιες άλλες, κάθε κίνηση έχει και μια αντικίνηση, καθώς η σιλουέτα της Γαλάτεια στέκεται άψογα και συμμετέχει ενεργά στην αφήγηση μέσα από μια μεγάλη δόση δυναμισμού. Όλοι οι χαρακτήρες που περικλείουν τη δράση της έχουν προικιστεί με άψογη ομορφιά, αλλά η Γαλάτεια είναι η τέλεια επιτομή της ιδέας της ομορφιάς του Raphael, μια θεϊκή φιγούρα με ανθρώπινες ομοιότητες, εξαιρετικά άψογη. Μια παρόμοια προσέγγιση ακολούθησε ο καλλιτέχνης του μπαρόκ Guido Reni, ο οποίος, σύμφωνα με τον μεγάλο ιστορικό τέχνης και συγγραφέα Bellori, ενσάρκωσε την κορύφωση της τελειότητας κατά την εποχή του μπαρόκ και ο οποίος, σε ομορφιά, ξεπέρασε κάθε άλλο καλλιτέχνη που είχε δει ποτέ. Ο Reni, όπως και ο Raphael, γνώριζε ότι κοιτάζοντας το θείο για έμπνευση ήταν δυνατό να επιτευχθεί η τελειότητα. Σε αντίθεση με τον Raphael, ωστόσο, ο Reni έβλεπε την τελειότητα με μάλλον νατουραλιστικό τρόπο, μετατρέποντας έτσι την πραγματικότητα σε κάτι θεϊκό και όχι το αντίστροφο.  Guido Reni, Ο Αρχάγγελος Μιχαήλ που νικάει τον Σαράν, Λάδι σε καμβά, 1635, 202 × 293 cm Όταν απεικόνιζε τον Άγιο Μιχαήλ, τον αρχάγγελο, για την Κρύπτη των Καπουτσίνων στη Ρώμη, ο Reni έγραψε στον Monsignor Massani στενό συνεργάτη του Πάπα Ουρβανού Η': «Θα ήθελα να είχα το πινέλο ενός αγγέλου ή μορφές του παραδείσου για να σχηματίσω τον αρχάγγελο. Και να τον δω στον ουρανό, αλλά δεν μπόρεσα να ανέβω τόσο ψηλά και στη γη μάταια τους αναζήτησα. Έτσι, κοίταξα τις φόρμες που καθιέρωσα για τον εαυτό μου στην ιδέα μου, η ιδέα της ασχήμιας». Σε αντίθεση με τον Raphael, η Reni παραδέχεται ότι η ομορφιά περιλαμβάνει επίσης την ατέλεια και δεν είναι τόσο ανέγγιχτη και απομακρυσμένη από την πραγματικότητα όσο θεωρούνταν μέχρι τώρα. Θεωρούμενος από τη χριστιανική εκκλησία ως η σύνθεση του θριάμβου του φωτός πάνω στο σκοτάδι, ο Reni ερμήνευσε με λαμπρότητα την επιτυχία του Αγίου Μιχαήλ έναντι του Σατανά, εν μέρει ως ουράνια ομορφιά και εν μέρει ως Ρωμαίο στρατιώτη, κοινό άνθρωπο. Αυτή η εικόνα θεωρήθηκε επανειλημμένα ως η προσωποποίηση της grazia, ενός όρου του δέκατου έκτου αιώνα που χρησιμοποιείται για να αναφερθεί σε μια ποιότητα που δεν περιορίζεται στην τέχνη, η οποία περιλαμβάνει τη σχέση της φύσης, της θείας και της εικονογραφικής γλώσσας. Ο Reni, ωστόσο, ενσωμάτωσε και τον Σατανά. Ο Σατανάς παίζει το ρόλο της ιδέας της ασχήμιας που πρέπει να βρεθεί, όπως σημειώνεται στα λόγια του ζωγράφου. Η αίσθηση της ομορφιάς που αποδίδεται εδώ είναι πλήρης των δύο αντίθετων ποιοτήτων. Μακριά από τον Raphael, ο Reni απεικονίζει το καλό και κακό, άγιο και κακό, χαριτωμένο και δύστροπο, φως και σκοτάδι, ομορφιά και ασχήμια. Αυτά τα έργα χρησιμεύουν ως αναπαράσταση της αιθέριας απόχρωσης της ομορφιάς, η οποία, καθώς εξελίσσεται και αποκτά πολλαπλούς συνειρμούς, προσκολλάται στην ιδέα πίσω από τη διατύπωσή της. Σύμφωνα με τις κοινωνικές επιρροές στη σκέψη και τη σύλληψη, ο Bronzino, ο Raphael και ο Reni, μέσα από τα έργα τους και σε μια καθορισμένη περίοδο που κυμαίνεται από την Υψηλή Αναγέννηση έως το Μπαρόκ, έριξαν φως στην πολλαπλότητα των υπαρχόντων μορφών ομορφιάς και στην κατανόηση του θείου και η φύση για να εξυψώσει την υπέροχη πραγματικότητα. Οι Ιταλοί ζωγράφοι του δέκατου έκτου και του 17ου αιώνα λένε στον θεατή πώς να δει την ομορφιά στις διστακτικές, αλλά αποφασιστικές μορφές της και, με την ίδια συνάφεια, να μπορεί να δει την ομορφιά παρά την παρουσία δυσάρεστων και ασχήμιας, αποδεχόμενος τη συνύπαρξή τους. Οι δάσκαλοι μας λένε επίσης για τη σημασία του να εμβαθύνουμε στην εμφάνιση της ομορφιάς για να αναπτύξουμε την αίσθηση του τι είναι πραγματικά όμορφο εκτός από την εξωτερική του εμφάνιση. Αυτοί οι ζωγράφοι, μαζί με πολλούς άλλους, διατήρησαν και επιδίωξαν την εμπειρία της ομορφιάς όσο αυτή επιδιώκεται σήμερα από τα κοινωνικά δόγματα της τελειότητας. Σε αντίθεση με σήμερα, όμως, αποκάλυψαν ότι η ομορφιά παίρνει από την τελειότητα αλλά δεν είναι τέλεια και δεν έχει καθορισμένη πορεία, αλλά μάλλον μοναδικό τρόπο ύπαρξης. Ως εκ τούτου, αντί να αναζητούμε το αδύνατο, η ομορφιά βρίσκεται στην εγγύτητά μας. Πηγή: mutualart |
Η σύγχρονη τέχνη στην ελλάδα και στο εξωτερικό, εικαστικά, γλυπτική, κατασκευές, καλλιτέχνες, γκαλερί, πολιτισμός |