 Ilya Kabakov μέσω Creative Commons. Το 1988, η Ronald Feldman gallery στη Νέα Υόρκη μετατράπηκε σε δύο διαμερίσματα από τη Σοβιετική Ένωση, αποτελώντας δέκα δωμάτια με δύο διαδρόμους που οδηγούν τους επισκέπτες στον χώρο. Εκτός από την οπτική εξερεύνηση αυτού που υποτίθεται ότι ήταν μια κλασική σοβιετική οικιακή αισθητική, το έργο περιείχε επίσης ένα σάουντρακ που ακουγόταν σε ρωσικά ρομαντικά τραγούδια. Ο δημιουργός αυτής της εγκατάστασης ήταν ο Ilya Kabakov, ένας Ρώσος καλλιτέχνης που πέθανε αυτό το Σάββατο σε ηλικία 89 ετών. Ένας από τους πρώτους καλλιτέχνες που προσέλκυσε την προσοχή της Δύσης πίσω από το Σιδηρούν Παραπέτασμα, ο Kabakov ήταν μια ισχυρή δύναμη στη σκηνή της σύγχρονης τέχνης που αμφισβήτησε τόσο σοβιετικά, ρωσικά και δυτικά ιδεώδη, έννοιες και παραστάσεις και ο οποίος ανέπτυξε τη δική του φιλοσοφική προσέγγιση για να αντιμετωπίσει τον κόσμο που είδε. "Ανακοινώνουμε με πένθος τον θάνατο του Ilya Kabakov, ενός μεγάλου καλλιτέχνη, φιλόσοφου, αγαπημένου συζύγου, αγαπητού πατέρα και αξιολάτρευτου παππού. Ο άνθρωπος που ονειρευόταν την ουτοπία σε όλη του τη ζωή, έφυγε από αυτόν τον κόσμο το Σάββατο 27 Μαΐου, περιτριγυρισμένος από αγαπημένα πρόσωπα." αναφέρει η δήλωση στη σελίδα του Ιδρύματος Ilya and Emilia Kabakov στο Facebook.  Το κενό του Ilya Kabakov Δέκα αίθουσες της εγκατάστασης του 1988 ταξινομήθηκαν σύμφωνα με δέκα χαρακτήρες (που είναι και το όνομα του έργου) ή δέκα θεματικές ομάδες — μεταξύ των οποίων ήταν ο συλλέκτης, ο άνθρωπος που συγκέντρωσε τις απόψεις των άλλων, ο άνθρωπος που πέταξε στο διάστημα από Το διαμέρισμά του και ο άνθρωπος που πέταξε στην εικόνα του, μεταξύ άλλων — δείχνοντας πιθανώς στη Δύση τις θλιβερές συνθήκες του κομμουνισμού της ύστερης φάσης. Το έργο είναι ένα παράδειγμα των διάσημων συνολικών εγκαταστάσεων του Kabakov που εγκωμιάστηκαν για την κριτική τους στη σοβιετική ιδεολογία, αλλά που επίσης έρχονται σε αντίθεση με τα λεγόμενα δυτικά δημοκρατικά ιδεώδη, πέφτοντας άβολα μεταξύ των δύο και προσυπογράφοντας αντίθετα τη θεωρία του κενού του καλλιτέχνη. Ο Ilya Kabakov έγραψε ένα δοκίμιο με τίτλο On Emptiness το 1982, στο οποίο διεύρυνε την εντύπωσή του ότι παρατηρούσε την πατρίδα του από έξω, κατά τη διάρκεια ενός ταξιδιού στην Τσεχοσλοβακία. «Ήμουν στην Τσεχοσλοβακία την άνοιξη του 1981 και από τις πιο ενδιαφέρουσες παρατηρήσεις μου προήλθαν από το να κοιτάξω τον «τόπο μας» από διαφορετικό μέρος, από τη θέση κάποιου που τον έχει εγκαταλείψει. Πώς φαίνεται «από το πλάι»; " έγραψε. Το κενό στο οποίο αναφέρεται δεν γίνεται κατανοητό με τον ευρωπαϊκό, ορθολογιστικό τρόπο του ως ένα πεδίο που περιμένει την ανθρώπινη εργασία, ένας κενός χώρος που πρέπει να γεμίσει, αλλά αντίθετα είναι «η μεταφορά του ενεργού όντος σε ενεργό μη ον. Το πιο σημαντικό, αυτό το κενό ζει και δεν υπάρχει με τη δική του δύναμη, αλλά από τη δύναμη που αντλείται από τη ζωή που το περιβάλλει, την οποία μεταμορφώνει, κονιορτοποιεί, καταρρέει στον εαυτό της. Το κενό προσκολλάται, συγχωνεύεται και απορροφά την ύπαρξη». Είναι μια ενεργή δύναμη με την οποία ασχολήθηκε ο Kabakov στην τέχνη του και την οποία προσπάθησε να αποκαλύψει ως προς αυτό που είναι μέσω της εικαστικής του πρακτικής. Ωστόσο, αυτό το κενό δεν πρέπει να γίνει κατανοητό με τους περιοριστικούς όρους της οπτικής παρουσίας/απουσίας, καθώς συνδέεται αντ' αυτού με εννοιολογικές κατανοήσεις της λειτουργίας της εξουσίας που αναφέρει ο ίδιος ο Kabakov στο κείμενό του. Είναι η δύναμη που παράγεται από τα όντα και, σε σχέση με αυτά, εκδηλώνεται με διάφορους τρόπους, μη αναγώγιμη στη μία ή στην άλλη μορφή. Στα πρώτα του έργα, ο Kabakov έπαιζε με την έννοια του κενού πιο άμεσα, όπως στο The Empty Museum και στο Before Supper. Το Empty Museum από το 1993 παρουσιάστηκε στο Staatliche Hochschule für Bildende Künste στη Φρανκφούρτη. Ο καλλιτέχνης αφαίρεσε 16 πίνακες Old Master από τους τοίχους και τοποθέτησε καναπέδες μπροστά από αυτούς τους άδειους χώρους, ενώ στο δωμάτιο ακούγονταν μουσικά ρεφρέν από την Passacaglia του Johann Sebastian Bach. Από την άλλη πλευρά, το Before Supper, 1988, δεν βασίστηκε στην αφαίρεση, αλλά σε μια περίπλοκη εγκατάσταση που αποτελείται από μια λευκή μπογιά σμάλτου πλαισιωμένη από μια σειρά σχεδίων, πίνακες σοσιαλιστικού ρεαλιστικού στυλ και ένα τραπέζι με έναν άλλο πίνακα για επιτραπέζια μαχαιροπίρουνα και πιάτα. Και στις δύο περιπτώσεις, οι χώροι που τραβούν την προσοχή αντικατοπτρίζουν τη μοναδική κατανόηση του κενού από τον Kabakov ως μια υπάρχουσα οντότητα που τρέφεται με όντα και είναι ταυτόχρονα καταστροφικός και γεννητικός. Στο Ten Characters, αυτό το κενό είναι ιδεολογικό, φυσικό και βιωματικό, καθώς οι θεατές που περιηγήθηκαν στην εγκατάσταση θα μπορούσαν να παρατηρήσουν την έλλειψη χαρακτήρων (ο άνδρας κάθε δωματίου δεν αναπαρίσταται) που είναι επίσης ασυνήθιστα παρόντες μέσω άλλων αντικειμένων, την έλλειψη ιδεολογική δύναμη που διαμόρφωσε τον χώρο (καθώς η εγκατάσταση έγινε στη Νέα Υόρκη) αλλά και την παρουσία του ταυτόχρονα, καθώς επηρέασε τον κόσμο παγκοσμίως, αλλά και, στο σύνολο του κομματιού, το κενό του Kabakov που κατέτρωγε τα όντα και δημιούργησε άλλου είδους πραγματικότητα.  Αριστερά: Ilya Kabakov - Κοιτάζοντας ψηλά. Reading the Words, Münster, Γερμανία, μέσω Creative Commons / Δεξιά: Ilya Kabakov - Looking up. Reading the Words, λεπτομέρεια, Münster, Γερμανία, μέσω Creative Commons Ilya Kabakov και Moscow Conceptualism Γεννημένος στο Dnipropetrovsk το 1933, ο Ilya Kabakov (Илья́ Ио́сифович Кабако́в) φοίτησε στη σχολή της Ακαδημίας Τέχνης του Λένινγκραντ κατά τη διάρκεια του Β' Παγκοσμίου Πολέμου και συνέχισε την εκπαίδευσή του στη Σχολή Καλών Τεχνών της Μόσχας από το 1945 έως το 1951, όπου ειδικεύτηκε στη γραφική τέχνη. Αν και εργάζεται σε διάφορα μέσα, είναι περισσότερο γνωστός για τις πολύπλοκες εγκαταστάσεις του και περιγράφηκε ως «ο παραδειγματικός καλλιτέχνης εγκατάστασης» από την ιστορικό τέχνης Claire Bishop. Στα τέλη της δεκαετίας του 1950, μαζί με τους καλλιτέχνες Vitaly Komar και Aleksandr Melamid, ο Kabakov διατύπωσε μια σοβιετική εκδοχή της εννοιολογικής τέχνης, αντιτιθέμενος στις πρακτικές και θεωρητικές ιδέες του σοσιαλιστικού ρεαλισμού, στο κρατικά εγκεκριμένο στυλ της Σοβιετικής Ένωσης που κατείχε το μονοπώλιο, μέχρι την περεστρόικα. Αναπτύσσοντας τη νέα τους προσέγγιση στην τέχνη, ο Kabakov, ο Komar και ο Melamid απέκλιναν τόσο από τα μονεταριστικά ιδεώδη της σοβιετικής εναλλακτικής τέχνης όσο και από το κυρίαρχο στυλ, εισάγοντας στοιχεία του σοβιετικού κιτς στα έργα τους. Η επανάσταση του Kabakov στη Δύση ήρθε το 1988 με τους αναφερόμενους δέκα χαρακτήρες , για τους οποίους ο Kabakov είπε ότι δεν ήταν μια παρέμβαση "ένας Ρώσος καλλιτέχνης που ήθελε να δείξει τη ρωσική τέχνη στη Δύση", αλλά αντίθετα ήταν "μια ματιά στη σοβιετική ζωή μέσα από τα μάτια ενός «ξένου» που έφτασε εκεί». Το 1989 ο Kabakov παντρεύτηκε την Emilia, με την οποία μετακόμισε στο Βερολίνο, στο Παρίσι και τελικά στη Νέα Υόρκη, όπου συνέχισε την πρακτική του. Το ζευγάρι παρήγαγε πολλές συνολικές εγκαταστάσεις που εμφανίστηκαν σε όλα τα μεγάλα καλλιτεχνικά ιδρύματα, συμπεριλαμβανομένων των Tate Modern, Grand Palais και Garage Museum της Μόσχας.  Ο Ilya Kabakov δίνει οδηγίες για την εγκατάσταση του έργου του Ο άνθρωπος που πέταξε στο διάστημα από το διαμέρισμά του, μέσω Creative Commons Η κληρονομιά του Ilya Kabakov Εξερευνώντας τις εντάσεις της σοβιετικής εμπειρίας, ο Kabakov δημιούργησε μνημειώδη έργα τέχνης που δηλώνουν μια νέα εννοιολογική κατανόηση της λειτουργίας της εξουσίας και της ανθρώπινης θέσης μέσα σε αυτήν. Δημιούργησε πάνω από 100 παιδικά βιβλία στην αρχή της καριέρας του, αλλά ήταν επίσης ηγέτης ενός νέου κινήματος τέχνης που αμφισβήτησε τους καθιερωμένους κανόνες στη σοβιετική και σύγχρονη τέχνη. Μεταξύ των διάσημων έργων του είναι οι The Russian Series , 1969, Life of Flies , 1992, Red Pavilion , 1993, και Incident at the Museum or Water Music , 2003. Με τη σύζυγό του Emilia, δημιούργησε πολυάριθμες εγκαταστάσεις (πάνω από 150) που εξέτασαν τις σύγχρονες ουτοπίες μας, όπως ο σοσιαλισμός και ο καπιταλισμός, και οι ιστορικές αφηγήσεις και ιδέες τους. Βασίστηκαν επίσης στη φαντασία και την ιστορία της τέχνης και έχουν χρωματιστεί από τις προσωπικές εμπειρίες του καλλιτέχνη εκτοπισμού από την πρώιμη παιδική ηλικία και τη μετέπειτα ζωή υπό τη σοβιετική κυριαρχία. "Έμαθα τα πάντα σαν μαϊμού, χωρίς κανένα συναίσθημα. Και όταν τελείωσα, ένιωσα ότι δεν ζούσα. Έτσι αποφάσισα να δημιουργήσω ένα αριστούργημα, στο οποίο θα μπορούσα να βάλω όλες μου τις ιδέες και ό,τι είχα νιώσει ποτέ και όλη την ομορφιά που είχα δει», εξήγησε. Πίστευα ότι αυτό το έργο θα με έκανε αληθινό. Αυτό το άρθρο δημοσιεύθηκε αρχικά στο www.widewalls.ch/ |
Η σύγχρονη τέχνη στην ελλάδα και στο εξωτερικό, εικαστικά, γλυπτική, κατασκευές, καλλιτέχνες, γκαλερί, πολιτισμός |