 Ζούμε σε μια εποχή που ο πολιτισμός μας γίνεται κοινωνικά υπεύθυνος και ενεργός. Δημιουργικοί τομείς, όπως η μόδα, η αρχιτεκτονική και οι εικαστικές τέχνες, πρωτοστατούν στις συζητήσεις γύρω από τη βιωσιμότητα, το περιβάλλον και την κοινωνική συνείδηση. Στην τέχνη, η βιωσιμότητα έχει οδηγήσει στην ανάπτυξη πρωτοποριακών έργων που χρησιμοποιούν καινοτόμα υλικά και μέσα για να μεταφέρουν ισχυρά μηνύματα σχετικά με την κλιματική αλλαγή, την πολιτική και την κοινωνική αδικία. Τι Σημαίνει Αειφορία; Οι ιδέες για τη βιωσιμότητα ποικίλλουν στη βιβλιογραφία και με την πάροδο του χρόνου, γεγονός που καθιστά δύσκολο τον ακριβή ορισμό. Στην εποχή μας, γνωστή ως ανθρωπόκαινος, η βιωσιμότητα μπορεί να γίνει ευρέως κατανοητή ως ένας κοινωνικός στόχος που αγωνίζεται για την υγιή συνδιαβίωση των ανθρώπων και άλλων ειδών στον πλανήτη Γη. Η ανθρωπόκαινη εποχή, που προέρχεται από το anthropo, την ελληνική λέξη για τον «άνθρωπο», αναφέρεται σε μια γεωλογική μονάδα χρόνου, όπου η ανθρώπινη επίδραση στη γη έχει αρχίσει να παρουσιάζει καταστροφικές συνέπειες, όπως η κλιματική αλλαγή, οι φυσικές ανισορροπίες και η εξαφάνιση πολλαπλών ειδών φυτών και ζώων. Η κοινωνική στροφή προς τη βιώσιμη ζωή στοχεύει στη μείωση της αρνητικής επίδρασης που έχουν οι άνθρωποι στον πλανήτη με την ελπίδα να ζήσουν με ασφάλεια στη γη με άλλα είδη σε πιο υγιή οικοσυστήματα για πολλές επόμενες γενιές.  Τι είναι η αειφορία στην τέχνη; Η βιώσιμη τέχνη μπορεί να οριστεί με διάφορους τρόπους, όπως και οι περισσότερες πτυχές του κόσμου της τέχνης. Ορισμένοι καλλιτέχνες ασχολούνται κυρίως με την έκφραση περιβαλλοντικών ζητημάτων, ενώ άλλοι χρησιμοποιούν φιλικά προς το περιβάλλον υλικά και πρακτικές στη δουλειά τους. Επιπλέον, η βιώσιμη τέχνη δεν περιορίζεται μόνο στις εικαστικές τέχνες. είναι επίσης διαδεδομένο στην αρχιτεκτονική και τη μόδα, μεταξύ άλλων. Χρησιμοποιώντας κυκλικές οικονομίες βρίσκουν τρόπους να χρησιμοποιούν λιγότερο νερό στην παραγωγική διαδικασία, να χρησιμοποιούν πιο φιλικές προς το περιβάλλον βαφές χρωμάτων και να παρατείνουν τον κύκλο ζωής των ρούχων. Μουσικοί, συγγραφείς, ερμηνευτές και κινηματογραφιστές δείχνουν επίσης ολοένα και περισσότερο ενδιαφέρον για την ενασχόληση με θέματα βιωσιμότητας και περιβάλλοντος στη δουλειά τους. Μια σύντομη ιστορία της αειφόρου τέχνης Παρόλο που ο όρος «Αειφόρος τέχνη» είναι σχετικά νέος, οι ιδιότητες της βιωσιμότητας έχουν ασκηθεί από πολλούς δημιουργικούς από πολλούς πολιτισμούς πολύ πριν επινοηθεί ένας όρος για αυτήν. Η αφρικανική τέχνη, για παράδειγμα, έχει μια μακρά ιστορία τέχνης και πολιτισμού που είναι φτιαγμένη με φυσικά υλικά που σέβονται τη φύση, από λειτουργικά και γλυπτικά έργα από πηλό και ξύλο που περνούν από γενιά σε γενιά, μέχρι τη δημιουργική έκφραση μέσω της ζωγραφικής σώματος, της μόδας, και πρακτικές ύφανσης, για να αναφέρουμε εν συντομία μερικές. Ένα άλλο παράδειγμα είναι η κουλτούρα του upcycling, που παρατηρείται επίσης στην αφρικανική τέχνη, αλλά ίσως το πιο αξιοσημείωτο στην ιαπωνική κουλτούρα. Κιντσούγκι, για παράδειγμα, είναι η πρακτική να γιορτάζουμε την ατέλεια και να αποφεύγουμε τη σπατάλη επισκευάζοντας σπασμένα κεραμικά και αγγεία με ίχνη χρυσού. Το Upcycling παραμένει μια κυρίαρχη μορφή βιώσιμης τέχνης που χρησιμοποιείται από πολλούς σύγχρονους καλλιτέχνες σήμερα.  Τοπιογραφίες Η στροφή του δυτικού κόσμου της τέχνης προς τη βιωσιμότητα ξεκίνησε με την αντίσταση των ρομαντικών καλλιτεχνών του 19ου αιώνα στην εκβιομηχάνιση και τη μετατόπιση της εστίασης στη φύση στους πίνακές τους. Ενώ αυτοί οι καλλιτέχνες δεν είχαν ακόμη σκεφτεί τη βιωσιμότητα όσον αφορά τα υλικά, εισήγαγαν μια αλλαγή στη σκέψη εκείνη την εποχή που τίμησε και δόξασε τον φυσικό κόσμο στη δουλειά τους. Ένα παράδειγμα τέτοιων έργων περιλαμβάνει πίνακες ζωγραφικής από καλλιτέχνες όπως ο John Constable, ο Caspar David Friedrich και ο Thomas Cole. Land Art Οι καλλιτέχνες έκτοτε, ειδικά από τη δεκαετία του 1950 και μετά, άρχισαν να αναπτύσσουν τη σκέψη τους, ώστε η φύση να μην είναι πλέον απλώς θέμα ζωγραφικής, αλλά να γίνει το πραγματικό υλικό που χρησιμοποίησαν για τη δημιουργία έργων. Εκείνη την εποχή, επίσης, οι ανησυχίες των επιστημόνων για την υπερθέρμανση του πλανήτη άρχισαν να αυξάνονται. Οι πρώτες προειδοποιήσεις για την κλιματική αλλαγή στα μέσα του 20ού αιώνα είχαν γίνει πιο επείγουσες στον 21ο αιώνα. Ο κόσμος συνειδητοποιεί ολοένα και περισσότερο τη σημασία της κλιματικής κρίσης, η οποία έχει ωθήσει αρκετούς καλλιτέχνες να εργαστούν με θέματα που σχετίζονται με τη βιωσιμότητα στην τέχνη τους. Η αειφορία είναι ένα κεντρικό θέμα μέσω του οποίου οι καλλιτέχνες αναδεικνύουν αυτά τα ζητήματα στη δουλειά τους και έχουν πραγματικό αντίκτυπο στην κοινωνική ευαισθητοποίηση μέσω της δουλειάς τους.  Spiral Jetty (1970) του Robert Smithson Πολλοί καλλιτέχνες άρχισαν να αμφισβητούν το παραδοσιακό μοντέλο της γκαλερί στη δεκαετία του 1970 δημιουργώντας έργα που είναι ειδικά για συγκεκριμένη τοποθεσία και χρησιμοποιούν τη γη και το περιβάλλον ως μέσα. Αυτά τα έργα ονομάζονταν Land Art, Earth art ή Earthworks. Αναμφισβήτητα το πιο διάσημο παράδειγμα Land art είναι το Spiral Jetty (1970) του Robert Smithson. Ο Smithson δημιούργησε το έργο στην όχθη της Μεγάλης Αλμυρής Λίμνης στη Γιούτα σχηματίζοντας ένα σπειροειδές σχήμα με περισσότερους από 6.000 τόνους γης και βράχου βασάλτη. Η τεράστια σπείρα είχε μήκος 460 μέτρα και πλάτος 4,6 μέτρα και στόχος ήταν η εργασία να αλληλεπιδράσει με τις μεταβαλλόμενες συνθήκες του νερού, της γης και του ανέμου στο τοπίο και με την πάροδο του χρόνου να διαλυθεί και να γίνει μέρος του τοπίου. Η λίμνη γεμίζει κατά καιρούς με γλυκό νερό από τα γύρω ποτάμια, αλλά δεν έχει διέξοδο και έτσι γίνεται μια λεκάνη πυκνή με μέταλλα, ειδικά αλάτι. Η υψηλή πυκνότητα ορυκτών σημαίνει ότι πολύ λίγη ζωή μπορεί να διατηρηθεί. Η παρέμβαση του Smithson στο τοπίο μπορεί να θεωρηθεί ως ένα είδος γλυπτικής εργασίας που χρησιμοποιεί την ίδια τη φύση ως μέσο. Η χρονιά που κατασκευάστηκε το Spiral Jetty, το 1970, είναι επίσης η χρονιά που πραγματοποιήθηκε η πρώτη «Ημέρα της Γης» στην Αμερική, σηματοδοτώντας το πρώιμο κίνημα του περιβαλλοντικού ακτιβισμού. Η μεταφορά της τέχνης από το χώρο της γκαλερί στη φύση ήταν ακόμα μια σχετικά νέα ιδέα στη δυτική τέχνη και το έργο του Smithson ενέπνευσε πολλούς άλλους καλλιτέχνες να ακολουθήσουν την τέχνη της Land Art. Μερικοί άλλοι καλλιτέχνες διάσημοι για τη Land art σε αυτήν την εποχή περιλαμβάνουν τον Andy Goldsworthy και την Agnes Denes. Πολλοί σύγχρονοι καλλιτέχνες εξακολουθούν να χρησιμοποιούν το Land art ως είδος τέχνης για να αντιμετωπίσουν ζητήματα γύρω από το περιβάλλον και τη βιωσιμότητα. Εννοιολογική Τέχνη Η εννοιολογική τέχνη, που ονομάζεται επίσης τέχνη πληροφοριών και ιδεών, εμφανίστηκε περίπου την ίδια εποχή που εμφανίστηκε η Land art. Στην εννοιολογική τέχνη, η ιδέα πίσω από το έργο τέχνης είναι η πιο σημαντική πτυχή του έργου και είναι ακόμη πιο σημαντική από το τελικό προϊόν. Παρόμοια με το Land art, η εννοιολογική τέχνη είναι επίσης συχνά συγκεκριμένη για το χώρο, αν και δεν χρησιμοποιεί απαραίτητα τη γη ως υλικό. Οι εννοιολογικοί καλλιτέχνες θα μπορούσαν, ωστόσο, να χρησιμοποιήσουν οποιοδήποτε υλικό της επιλογής τους, δεδομένου ότι το υλικό προσθέτει στην ιδέα ή το νόημα του έργου.  Μπορεί επομένως να υπάρχουν πολλές ομοιότητες μεταξύ της Εννοιολογικής τέχνης και της Land art. Για να γίνει διάκριση μεταξύ των δύο, μπορεί κανείς να πει ότι το Land art μπορεί να θεωρηθεί ως ένας καλλιτέχνης που αλληλεπιδρά μέσα σε ένα συγκεκριμένο φυσικό τοπίο, το τελικό προϊόν είναι το πιο σημαντικό και είναι κατά κύριο λόγο γλυπτική σε συγκεκριμένη τοποθεσία. Ενώ η εννοιολογική τέχνη μπορεί να πάρει παρόμοια σχήματα με τα Installation art και Land art, η ιδέα είναι πάντα κεντρική και η πιο σημαντική στο έργο. Για αυτόν τον λόγο, πολλά έργα τέχνης και εγκαταστάσεις Αειφορίας μπορούν να εμπίπτουν στην κατηγορία της εννοιολογικής τέχνης καθώς η ιδέα, για παράδειγμα, της κλιματικής κρίσης, της κοινωνικής αλλαγής ή της βιωσιμότητας είναι η πιο σημαντική πτυχή του έργου. Σημαντικοί καλλιτέχνες της βιωσιμότητας Η εννοιολογική φύση της σύγχρονης τέχνης σημαίνει ότι πολλοί καλλιτέχνες σήμερα δίνουν προτεραιότητα στην ιδέα πίσω από το έργο τους και λαμβάνουν συνειδητές αποφάσεις σχετικά με το νόημα πίσω από τα υλικά που χρησιμοποιούν, τις τοποθεσίες που εκθέτουν και πώς η εμπειρία του έργου τους μπορεί να εμπνεύσει αλλαγές. Πολλοί σύγχρονοι καλλιτέχνες σήμερα ασχολούνται με θέματα σχετικά με τις συνέπειες της υπερθέρμανσης του πλανήτη και τη διατήρηση του περιβάλλοντος. Agnes Denes (1931- Σήμερα) Μεταξύ των πιο γνωστών περιβαλλοντικών καλλιτεχνών στον κόσμο είναι η Agnes Denes, Ουγγροαμερικανίδα καλλιτέχνιδα και πρωτοπόρος στον χώρο. Σε όλη της την καριέρα ασχολήθηκε με τα φυσικά τοπία. Με μια άκρως συνεργατική προσέγγιση, η Denes συχνά ωθεί τα όρια της τέχνης και επεκτείνει τη δουλειά της στον ακτιβισμό. Η δουλειά της είναι συχνά συγκεκριμένη, χρησιμοποιεί τη φύση ως μέσο και έχει εννοιολογικό χαρακτήρα. Ένα από τα πιο διάσημα έργα της είναι το φιλόδοξο Wheatfield — A Confrontation, που δημιουργήθηκε το 1982. Ως αποτέλεσμα αυτού του έργου, η Denes κέρδισε την αναγνώριση ως ηγετική φυσιογνωμία στην Conceptual art και στην Land art.  Tree Mountain (2013) της Agnes Denes Στο Wheatfield – A Confrontation, η Denes' καλλιέργησε ένα χωράφι δύο στρεμμάτων με σιτάρι σε ένα ερημικό οικόπεδο. Πολλοί συνεργάτες βοήθησαν σε διάστημα τριών μηνών για την προετοιμασία του εδάφους, τη φύτευση και τη συγκομιδή του σιταριού. Αναζωογονώντας ένα οικόπεδο αστικής γης μπροστά από ένα κτίριο που είναι σύμβολο εξουσίας το Παγκόσμιο Κέντρο Εμπορίου, η Denes φαινόταν να θέτει στους υπεύθυνους χάραξης πολιτικής και σε άλλους ισχυρούς ανθρώπους σημαντικές ερωτήσεις σχετικά με τη σημασία της διατήρησης του περιβάλλοντος, του διαχωρισμού του πλούτου στην πόλη και την ιεράρχηση της αστικής ανάπτυξης πάνω από τη φυσική αποκατάσταση. Το οικόπεδο έχει από τότε αναπτυχθεί στη γειτονιά Battery Park City και το έργο παραμένει μόνο στις φωτογραφίες και στη μνήμη των ανθρώπων. El Anatsui (1944 – σήμερα) Ο διεθνούς φήμης καλλιτέχνης El Anatsui μετατρέπει απλά υλικά που βρέθηκαν σε εκπληκτικές συνθέσεις που έχουν γοητεύσει το κοινό του από τότε που ξεκίνησε να κάνει τέχνη. Ο Anatsui γεννήθηκε στην Γκάνα και σήμερα ζει και εργάζεται στη Νιγηρία. Ενώ όροι όπως «ανακύκλωση» και «μηδενικά απόβλητα» είναι μάλλον νέοι στις κοινωνίες μας, ο Anatsui έχει υιοθετήσει αυτές τις πρακτικές σε όλη τη διάρκεια της καριέρας του. Τα έργα του που μοιάζουν με γλυπτική ζωγραφική γίνονται μεγάλες εγκαταστάσεις που ξεπερνούν τις κατηγορίες και συχνά περιλαμβάνουν απορρίμματα, όπως καπάκια μπουκαλιών, παλιούς τενεκέδες, ξύλα και καρφιά.  Αλουμίνιο και σύρμα χαλκού (2006) του El Anatsui Τα έργα του Anatsui είναι στρωμένα με νόημα. Όχι μόνο μετατρέπει τα απόβλητα σε κάτι όμορφο και εντυπωσιακό, αλλά σχολιάζει επίσης την αποικιακή ιστορία της Αφρικής, τον παγκόσμιο καταναλωτισμό και τις προβληματικές πρακτικές εξόρυξης και απορριμμάτων. Μεταξύ των πιο διάσημων έργων του είναι μια σειρά από μνημειώδεις τοίχους από καπάκια, σφραγίδες και κονσέρβες που ανακτήθηκαν από νιγηριανά οινοπνευματοποιεία, που προήλθαν από το εμπόριο με την Ευρώπη. Για να δημιουργηθούν αυτά τα έργα, χιλιάδες μεταλλικά κομμάτια και καπάκια ισοπεδώνονται, διπλώνονται και υφαίνονται μεταξύ τους με χάλκινο σύρμα, με αποτέλεσμα τεράστια περίπλοκα έργα με ιστορίες εργασίας, οικονομικής ανταλλαγής, εκμετάλλευσης και σπατάλης. Andy Goldsworthy (1956 – σήμερα) Γνωστός για τα γλυπτά του και τη Land art, ο Andy Goldsworthy είναι ένας εξέχων περιβαλλοντικός καλλιτέχνης. Ο Goldsworthy γεννήθηκε στην Αγγλία και εργάστηκε σε διαφορετικές φάρμες από την ηλικία των 13 ετών. Η επαναλαμβανόμενη φύση της αγροτικής εργασίας εμπνέει τη γλυπτική του διαδικασία, η οποία βασίζεται σε μεγάλο βαθμό στη ρουτίνα και τον ρυθμό. Κάποτε είπε ότι η καλλιτεχνική του διαδικασία είναι «σαν να μαζεύεις πατάτες». Ο Goldsworthy χρησιμοποιεί φυσικά υλικά στη δουλειά του, όπως πέτρα, πηλό, πέταλα λουλουδιών και ξύλο, και ισχυρίζεται ότι ο κύριος στόχος του είναι να καλλιεργήσει μια σύνδεση μεταξύ των θεατών του και της φύσης. Βλέποντας τη φύση ως συνεργάτη στο έργο του, ο Goldsworthy εμπλέκεται με τους φυσικούς κύκλους της δημιουργίας και της φθοράς. Μέσα από τη δουλειά του, συχνά προσεγγίζει τα οργανικά μοτίβα της φύσης και φέρνει την προσοχή των ανθρώπων στην ομορφιά του φυσικού κόσμου.  Έκθεση στο West Yorkshire Sculpture Park (2007) από τον Andy Goldsworthy Olafur Eliasson (1967 – σήμερα) Το έργο του καλλιτέχνη Olafur Eliasson αποτελεί παράδειγμα του τρόπου με τον οποίο οι καλλιτέχνες χρησιμοποιούν βιώσιμα υλικά για να τονίσουν τους κινδύνους της κλιματικής αλλαγής. Γεννημένος στη Δανία το 1967, ο Eliasson μετακόμισε στην Ισλανδία σε ηλικία τεσσάρων ετών όταν οι γονείς του χώρισαν. Ο πατέρας του ήταν τοπιογράφος και ενθάρρυνε το πάθος του Eliasson για την τέχνη και τη φύση από νεαρή ηλικία. Ένα χρόνο μετά την αποφοίτησή του από τη Βασιλική Ακαδημία Καλών Τεχνών της Δανίας στην Κοπεγχάγη, ο Eliasson είχε την πρώτη του ατομική έκθεση. Ο Eliasson ίδρυσε το πειραματικό του στούντιο, το Studio Olafur Eliasson, στο Βερολίνο το 1995. Το στούντιο λειτουργεί ως ένα είδος εργαστηρίου και αποτελείται από μια ομάδα συνεργατών και επιστημόνων από διαφορετικούς τομείς που βοηθούν τον καλλιτέχνη να πραγματοποιήσει τις φιλόδοξες ιδέες του.  Η Bizitza Errealean στο Μουσείο Guggenheim (2020) Ο Eliasson είναι περισσότερο γνωστός για τις γλυπτικές και καθηλωτικές εγκαταστάσεις μεγάλης κλίμακας που εμπλέκονται με φυσικά στοιχεία όπως το φως, το νερό και η θερμοκρασία. Το 2003, ο Eliasson έγινε γνωστό όνομα όταν εκπροσώπησε τη Δανία στη Μπιενάλε της Βενετίας και αργότερα την ίδια χρονιά εγκατέστησε το The Weather Project, αναμφισβήτητα το πιο διάσημο έργο του μέχρι σήμερα, στο Turbine Hall της Tate Modern στο Λονδίνο. Στο έργο, ο Eliasson δημιούργησε ένα ολόκληρο σύστημα καιρού ενός φανταστικού τοπίου με έναν τεράστιο διαφαινόμενο ήλιο φτιαγμένο από χιλιάδες λαμπτήρες με μηχανές ομίχλης που σχημάτιζαν σύννεφα ομίχλης. Ένα άλλο σημαντικό έργο του καλλιτέχνη είναι το Ice Watch (2014), όπου ο καλλιτέχνης τοποθέτησε 30 τεράστιους όγκους πάγου που είχαν ληφθεί από τους παγετώνες της Ισλανδίας και τους μετέφερε στο Λονδίνο. Τα κομμάτια πάγου αφέθηκαν να λιώσουν μπροστά στην Tate Modern και χρησίμευσαν ως προειδοποίηση για τη σοβαρότητα της κλιματικής αλλαγής. Το έργο προκάλεσε ταχεία ανταπόκριση του κοινού. Maya Lin (1959 – σήμερα) Η Maya Lin είναι Αμερικανίδα αρχιτέκτονας τοπίου και σύγχρονη καλλιτέχνιδα. Όταν ήταν μόλις 21 ετών, η Lin κέρδισε έναν διαγωνισμό για το σχεδιασμό του Μνημείου Βετεράνων του πολέμου στο Βιετνάμ στην Ουάσιγκτον. Παρόλο που το μνημείο παραμένει το πιο γνωστό έργο της Lin, υπήρξε επίσης περιβαλλοντική ακτιβίστρια σε όλη τη διάρκεια της καριέρας της και αυτό το ήθος έχει διαποτίσει από καιρό το έργο της. Η κριτική ενασχόληση με την τοποθεσία και τον τόπο βρίσκεται στο επίκεντρο της δουλειάς της Maya Lin, η οποία αντανακλά συστήματα της φύσης και ενθαρρύνει το κοινό της να αναλογιστεί την πολυπλοκότητα και τη γαλήνη του φυσικού κόσμου.  Ghost Forest (2021) Μία από τις εγκαταστάσεις μεγάλης κλίμακας της Lin, που ονομάζεται Ghost Forest, πραγματοποιήθηκε τον Μάιο του 2021 όταν ο καλλιτέχνης φύτεψε 49 τεράστιους κέδρους στο Madison Square Park, στο Μανχάταν. Τα δέντρα, ωστόσο, ήταν νεκρά και η καλλιτέχνιδα τα διέσωσε από το Pine Barrens του Νιου Τζέρσεϊ. Τα δέντρα, όπως και πολλά άλλα σε όλο τον κόσμο, πεθαίνουν λόγω της απώλειας της βιοποικιλότητας που προκαλείται από προσβολές από έντομα και τις διεισδύσεις αλμυρού νερού που προκαλούνται από την άνοδο της στάθμης της θάλασσας. Φυτευμένα στο πράσινο του πάρκου, τα νεκρά δέντρα χρησιμεύουν ως υπενθύμιση των καταστροφικών επιπτώσεων της κλιματικής αλλαγής. Καθώς η κοινωνία συνειδητοποιεί περισσότερο τις περιβαλλοντικές επιπτώσεις της και το απειλητικό μέλλον του πλανήτη μας, οι καλλιτέχνες υιοθετούν περισσότερες πρακτικές βιώσιμης τέχνης και συνεργάζονται με επιστήμονες για να βοηθήσουν στην ευαισθητοποίηση σχετικά με τον επείγοντα χαρακτήρα της κλιματικής κρίσης. Βιωσιμότητα σημαίνει να έχουμε επίγνωση του τρόπου με τον οποίο καταναλώνουμε και κατασκευάζουμε προϊόντα και να κάνουμε επιλογές που δεν βλάπτουν τον πλανήτη. Οι καλλιτέχνες αγκαλιάζουν το όραμα ενός καλύτερου μέλλοντος για όλους και προσπαθούν συνεχώς να επηρεάσουν την αλλαγή στις κοινωνίες μας μέσω των πρακτικών τους. Αυτό το άρθρο δημοσιεύθηκε αρχικά στο artincontext.org/ |
Η σύγχρονη τέχνη στην ελλάδα και στο εξωτερικό, εικαστικά, γλυπτική, κατασκευές, καλλιτέχνες, γκαλερί, πολιτισμός |